MUSLIJA

Muslija es un DJ y productor albanés-filipino radicado en Nueva York que está ganando terreno dentro de la escena house contemporánea. Reconocido por sus grooves deep minimal tech y sets versátiles cargados de energía, su música ha recibido el apoyo de artistas como Paco Osuna, Jamie Jones, Joseph Capriati, Marco Carola, Manda Moor, Melanie Ribbe y AJ Christou, entre otros.

Afiliado al colectivo House Hats Collective, Muslija ha lanzado música en sellos como Trifecta Records, Midtown House, Manawa Experience, Eavesdrop Records y Psyched Recs.

En los últimos meses ha llevado su sonido a ciudades como New York City, Montreal, Washington, D.C. y Miami. Además, ha sido destacado por medios como Techno Bible y ha compartido cartel con artistas como Jaden Thompson, Monkey Safari, Ayybo, Jesse Calosso, Pipi Ciez y Ms Mada.

Con cada presentación y lanzamiento, Muslija continúa consolidando su crecimiento, posicionándose como uno de los nombres emergentes más prometedores del circuito underground actual.

- Tu identidad cultural albanesa-filipina no es algo común dentro de la escena electrónica de Nueva York. ¿De qué manera tu origen cultural ha influido en la forma en que entiendes la música y la pista de baile?

Crecer dentro de una familia filipina significaba que la expresión y el performance eran parte de la vida cotidiana. En las fiestas familiares siempre había baile, gente cantando, alguien tomando el micrófono… y casi siempre yo estaba ahí en medio. Eso moldeó mi sentido del ritmo desde muy joven y me hizo entender la música como algo físico y colectivo, algo que se comparte.

Mi lado albanés influyó más en mi mentalidad. Hay mucho orgullo y resiliencia en esa cultura. Cuando estoy detrás de las tornamesas, eso se traduce en confianza en mis selecciones y en una fuerte capacidad para leer la energía del lugar.

Ser multicultural también me mantiene abierto a distintas influencias. De forma natural tomo inspiración de diferentes países y géneros, lo que hace que mi sonido se mantenga fluido, versátil y en constante evolución.

- Vives en Nueva York, una ciudad saturada de proyectos de música electrónica. ¿Qué es lo que te distingue como artista dentro de una escena tan competitiva?

Vivir en Nueva York significa ser multidimensional. La ciudad está llena de talento y cultura, así que trato de mantenerme intencionalmente curioso. No estoy atado a una sola escena ni a un solo sonido. Ya sea en una noche de Circoloco, un showcase de Innervisions o un lineup de Music On, observo cómo distintos artistas construyen la tensión, controlan el espacio y mueven a la pista.

Ese rango de influencias termina moldeando mis propios sets. Más allá de la música electrónica, también me inspiran las noches de jazz y el R&B. Los clubes de jazz han afinado mi entendimiento de la improvisación y el fraseo, mientras que el R&B profundiza mi sentido del groove y la carga emocional.

- Tu sonido se mueve entre el minimal tech, el deep house y sets de alta energía. ¿Cómo construyes ese equilibrio entre groove hipnótico y energía de club?

Todo se reduce a leer la pista y respetar el contexto del lugar. En clubes más oscuros me gusta inclinarme hacia el lado más hipnótico de mi sonido: mezclas más largas, grooves profundos y dejar que la música se desarrolle poco a poco. Primero quiero que la gente se conecte con el ritmo antes de empezar a subir la intensidad.

Si estoy tocando en un set de día o en un lugar de playa como Vagalume Tulum, la energía cambia. El espacio se siente más abierto, así que la música también debería sentirse así. Incorporo elementos más luminosos, momentos más uplifting y dejo que el set respire un poco más. Es menos sobre empujar la energía y más sobre fluir con la vibra del entorno.

Para mí, el equilibrio entre groove y energía tiene que ver con el timing. Si la base es sólida y la gente está completamente conectada con el ritmo, los momentos de mayor energía se sienten más grandes y naturales. Ese contraste es lo que hace que un set realmente se vuelva memorable.

- ¿Tu sonido nace más de la pista de baile (DJ) o del estudio (productor)? ¿Cuál de esos dos mundos influye más en tus decisiones creativas?

Para mí, ambos mundos coexisten. Estar constantemente en la pista de baile moldea la forma en que escucho la música. A veces salgo y escucho a un artista que ni siquiera conocía, y algo de su set se me queda grabado. Estar entre el público me permite absorber cómo se siente realmente un track dentro de una sala, no solo cómo suena en los audífonos. Esa energía definitivamente influye en lo que quiero crear.

El estudio es diferente. Ese espacio es más interno y personal. No estoy reaccionando a una multitud, sino a mi propio estado de ánimo. Hay días en los que el sonido sale más oscuro y minimalista, y otros en los que aparece algo más emocional o más potente. Ahí es donde surge el lado más íntimo de mi identidad sonora.

Así que la pista de baile me enseña el impacto, mientras que el estudio termina moldeando la identidad. Necesito ambos para mantenerme honesto con lo que hago.

- Cuando produces un track: ¿Empiezas desde un groove, una textura, una referencia emocional o un concepto específico de club?

No tengo un punto de partida fijo. Escucho y encuentro música en todos lados. Puede ser una melodía que aparece en mi cabeza, un ritmo en la ciudad o incluso la cadencia con la que habla un vendedor de tamales en la Mexico City. Suelo grabar esos momentos en mi teléfono y luego llevarlos al estudio. He construido tracks a partir de texturas del metro de Nueva York, ruidos de la calle y atmósferas cotidianas. Me gusta cuando el entorno se cuela de forma sutil dentro de la música.

A veces también surge inspiración de una fiesta o de un set en particular. Puede ser un tono, un efecto o simplemente la energía de la sala. Llevo esa sensación al estudio y empiezo a experimentar, aunque trato de no encerrarme en un proceso demasiado rígido.

Creo que trabajo mejor cuando confío en el instinto. Si empiezo a pensar demasiado el concepto, el track termina sintiéndose forzado. Cuando dejo que la música fluya de forma natural, normalmente es cuando aparece algo auténtico.

- ¿Qué quieres que la gente sienta cuando escucha uno de tus tracks por primera vez?

Mis tracks nacen de un estado de ánimo, una experiencia o simplemente del instinto. Me gusta que la música tenga algo familiar que atrape a la gente desde el inicio, pero también algo distinto que despierte curiosidad sobre hacia dónde se dirige.

Como produzco a partir de lo que realmente estoy sintiendo o de lo que me inspira en ese momento, cada track carga cierto peso emocional. Cada disco que toco en mis sets tiene una historia detrás, y quiero que esa misma narrativa también esté presente en mi propia música.

Más que solo escuchar una canción, quiero que la gente sienta que está siendo llevada a algún lugar, como si el track fuera un pequeño viaje dentro de la pista.

- Has lanzado música en varios sellos con identidades muy distintas. ¿Qué valoras más al elegir un sello: la visión artística, el alcance, la comunidad o la libertad creativa?

Para mí todo comienza con la visión artística y el crecimiento a largo plazo. Se trata de rodearme de las personas correctas, que realmente estén alineadas con lo que estoy construyendo y que quieran desarrollarlo con el tiempo, no solo lanzar un track aislado.

La comunidad y el alcance suelen crecer de manera natural a partir de eso. Los sellos con los que he trabajado han creído en mi dirección artística y me han dado el espacio para expresarla plenamente. Esa confianza es la que realmente genera libertad creativa y permite que la música tenga alma.

- ¿Cómo te adaptas a la identidad de un sello sin perder tu propio sonido?

Primero intento entender la identidad del sello antes incluso de enviarles música. Presto atención a los artistas que apoyan, a la atmósfera de sus lanzamientos y al tipo de energía que representan. Si mi sonido no encaja de manera natural en ese universo, prefiero no forzarlo.

Cuando sí trabajo con un sello, la adaptación suele ser muy sutil. A veces significa inclinarme hacia cierta textura, ajustar un poco más el arreglo o resaltar un estado de ánimo específico que conecte con su catálogo. Pero nunca reconstruyo mi identidad alrededor de eso. El groove y la emoción central siempre tienen que sentirse como algo propio.

Para mí es más bien como encontrar el hogar correcto para un track. Si la base es honesta, adaptarse se convierte en un proceso de refinamiento, no de compromiso.

-¿Qué tan importante es para ti construir una escena, y no solo una carrera personal?

Lo es todo para mí. Una carrera personal solo puede llegar hasta cierto punto si existe de forma aislada. Los momentos que más han significado para mí dentro de la música siempre han estado ligados a una comunidad, ya sea una fiesta, un sello, un colectivo o un grupo de artistas que se impulsan entre sí.

No quiero limitarme a tocar en shows y lanzar tracks. Quiero contribuir a algo que perdure más allá de mí. Eso puede significar colaborar más, apoyar a artistas emergentes o ayudar a crear espacios donde las personas se sientan conectadas a través de la música.

Si el enfoque está únicamente en el éxito personal, todo se vuelve transaccional. En cambio, construir una escena crea cultura. Y la cultura es lo que hace que la música realmente importe desde el principio.

- Has recibido apoyo de figuras como Paco Osuna, Jamie Jones y Marco Carola.¿Cómo impacta ese reconocimiento en tu confianza artística y en la presión creativa?

Recibir apoyo de artistas como Paco Osuna, Jamie Jones y Marco Carola significa mucho para mí. Son artistas que ayudaron a moldear la forma en que entiendo la música electrónica, así que incluso saber que han escuchado y conectado con algo que yo creé es algo muy poderoso.

Su apoyo refuerza que voy por el camino correcto, aunque mi confianza siempre ha venido principalmente desde dentro. Aun así, es muy inspirador sentirme artísticamente alineado con personas a las que crecí estudiando y admirando.

Ver uno de mis tracks sonando frente a miles de personas en el Instagram de Paco fue una sensación eléctrica. Lo que lo hizo aún más especial fue recordar que ese mismo track empezó en el piso de mi sala, producido con unos AirPods. Ese contraste me recuerda que los grandes momentos a veces nacen de comienzos muy simples.

- ¿Ese tipo de apoyo cambia la forma en que produces música o seleccionas tus tracks?

Me motiva, pero no cambia la esencia de cómo produzco. Cuando artistas de ese nivel apoyan tu música, te demuestra que tu sonido puede funcionar en escenarios más grandes, y eso definitivamente me impulsa a seguir creando.

Aun así, trato de no empezar a producir pensando en impresionar a alguien en específico. En el momento en que produces con la aprobación de otra persona en mente, pierdes la honestidad que fue precisamente lo que hizo que tu música llamara la atención en primer lugar.

Al final, ese tipo de apoyo refuerza mis propios instintos. Me recuerda que confiar en mi gusto funciona, así que prefiero mantenerme enfocado en hacer música que se sienta auténtica, en lugar de intentar descifrar qué podría querer tocar alguien más.

Me emociona ver hasta dónde puede viajar ese sonido orgánico y también colaborar con artistas cuya visión conecte con la mía a medida que el proyecto sigue creciendo

- Recientemente has tocado en varias ciudades. ¿Qué diferencias notas entre los públicos y cómo adaptas tu set a cada ciudad?

Todo empieza con sumergirme en el lugar. Cuando estoy en una ciudad nueva, trato de pasar tiempo en tiendas de vinilos, bares y distintos barrios para entender el ritmo de ese sitio. Cada ciudad tiene su propia energía, su propio tempo y su propia relación con la música.

La base de mi sonido se mantiene igual, pero me adapto absorbiendo esa cultura local y dejando que influya en el mood del set. No se trata de cambiar quién soy como artista, sino de traducir mi sonido de una manera que se sienta honesta para ese espacio y para la gente que está en la pista.

- ¿Hay alguna presentación reciente que haya marcado un antes y un después para ti? ¿Por qué?

Tocar en Vagalume Tulum para Mixmag marcó un verdadero antes y después para mí. Gran parte de mi audiencia está en América Latina, y esa noche sentí que realmente conecté de lleno con esa relación. No fue solo un show, todo se sintió completamente alineado.

La energía, el ritmo y la apertura emocional del público encajaban perfectamente con la forma en que suelo construir mis sets. Me dio mucha confianza saber que lo que estoy creando resuena profundamente en ese tipo de espacios.

Esa presentación no solo me inspiró, también confirmó que América Latina es una parte central de mi camino como artista.

- ¿Cómo imaginas el proyecto de Muslija en tres años: más enfocado en giras, producción, comenzar un sello o curar eventos?

En tres años me veo muy enfocado en las giras. Quiero llevar mi sonido a nuevos territorios y ponerlo a prueba dentro de diferentes culturas. América Latina en particular me emociona mucho. Hay una energía cruda y una relación muy profunda con el ritmo que conecta mucho con la forma en que yo entiendo el groove.

Tocar en más lugares y a mayor escala también impulsaría mi producción musical. Presentarte frente a públicos distintos te obliga a evolucionar constantemente. Desafía tu ritmo dentro del set, tus selecciones y tu identidad artística en tiempo real.

A largo plazo estoy abierto a curar eventos o incluso construir algo propio, pero por ahora la prioridad es expandirme tanto física como creativamente. Quiero estar en salas en las que nunca he tocado antes y descubrir hasta dónde puede llegar este proyecto.

- ¿Qué tipo de artista quieres ser: uno que siga las tendencias o uno que construya un sonido propio y reconocible?

Siempre intento construir un sonido personal y reconocible. Cuando tu identidad artística es clara, puedes moverte dentro de las tendencias sin que ellas te absorban.

Si hay algo que está sucediendo dentro de la escena y realmente resuena conmigo, lo exploro a mi manera. Pero al final, mi objetivo es seguir siendo un artista que crea sonidos que se sientan auténticos y fieles a quién soy.

- ¿Qué es lo que aún te emociona de la música electrónica después de tantas horas en el estudio y en la cabina?

Lo que todavía me emociona es su lado físico. Me encanta bailar, genuinamente. No importa cuántas horas pase en el estudio o detrás de la cabina, nunca quiero perder esa sensación de estar entre la gente y moverme sin pensar demasiado.

La música electrónica es uno de los pocos espacios donde personas desconocidas pueden conectarse al mismo ritmo y olvidarse de todo durante unas horas. Esa energía nunca deja de impresionarme.

También me entusiasma mucho la colaboración. Trabajar con otros artistas y construir sonidos juntos me lleva a lugares a los que probablemente no llegaría solo. Hay algo muy poderoso en mezclar ideas y crear algo que no existía antes de ese momento.

Esa energía compartida, tanto en la pista de baile como en el estudio, es la razón por la que empecé y por la que sigo haciéndolo.

-¿Qué miedo creativo estás enfrentando en este momento?

Uno de los mayores miedos creativos a los que me enfrento es el silencio. Esos periodos en los que no hay gigs, no hay apoyo visible ni retroalimentación inmediata. En esos momentos es fácil empezar a cuestionarte y preguntarte si el impulso se está desvaneciendo.

He aprendido que esas fases son parte del proceso. No todas las temporadas son ruidosas. Algunas están hechas para construir, refinar y crecer sin que haya una audiencia observando.

El verdadero desafío es mantener la constancia cuando nadie está aplaudiendo. Ahí es donde realmente se construye la confianza. Si puedo seguir creando y mejorando incluso en esos momentos de silencio, entonces los momentos más grandes y visibles se sienten verdaderamente ganados.

- Si tu proyecto musical fuera una película, ¿qué tipo de atmósfera tendría?

Probablemente sería una versión animada de mi vida, algo en la línea de Entergalactic de Kid Cudi. Creativa, colorida, un poco soñadora, pero al mismo tiempo conectada con emociones reales.

Habría escenas nocturnas de ciudad, diálogos internos, momentos de tensión y luego esos grandes momentos de liberación donde todo finalmente encaja. No se sentiría caótica, sino más bien con capas, como una historia que se va revelando poco a poco.

En el fondo, sería una historia sobre crecimiento. Sobre descubrir las cosas en el camino, evolucionar y dejar que la música sea la que lleve la narrativa.

- Para alguien que aún no te ha escuchado: ¿Por qué debería vivir una noche en la pista de baile con un set de Muslija?

Si nunca me has escuchado antes, ven con ganas de pasarla bien y tal vez de sacar Shazam un par de veces. Eso es básicamente todo. Quiero que la gente se sienta lo suficientemente libre para ser ella misma en la pista.

Mis sets están construidos para crear espacio de conexión. No solo entre yo y el público, sino también entre personas que quizás ni siquiera se conocen dentro de la sala. Cuando el ritmo se alinea y la gente deja de pensar demasiado para simplemente moverse, ese es el momento que estoy buscando.

Se trata de divertirse, estar presente y salir del lugar sintiéndose más ligero de lo que llegaste.