Machino: De las raíces punk al pulso electrónico.

Ramón, mejor conocido como Machino, es uno de los productores más destacados de la nueva generación de música electrónica del noroeste de México. Con una trayectoria de más de una década que va del punk a la electrónica, y presentaciones en escenarios internacionales como Sonar, Mutek y Boiler Room, hoy conversamos con él sobre su evolución musical, su visión creativa y sus próximos proyectos.

1. ¿Cómo fue tu transición del punk a la música electrónica? ¿Qué te atrajo de este género?

Fue una transición bastante natural. Cuando era más joven, todo era caos y destrucción; tenía mucha energía, y tanto la gente con la que me rodeaba como las bandas en las que tocaba estaban en ese mismo canal. De repente empecé a escuchar más música electrónica que, en esencia, tenía una vibra similar a lo que ya escuchaba, solo que con cajas de ritmos y sintetizadores. Bandas como Suicide marcaron ese punto medio para mí: eran bailables, pero aún crudos. También fue una forma de hacer todo de manera más DIY, especialmente cuando empecé a trabajar como artista solista.

2. Vienes del noroeste de México, pero ahora resides en Los Ángeles. ¿Cómo ha influido este cambio en tu sonido y en tu carrera musical?

Los Ángeles me ha inspirado mucho. Hay una energía creativa muy fuerte en el ambiente: cine, arte, música, todo convive aquí. Me encanta su historia cinematográfica, desde el cine noir de los 40 hasta la contracultura de los 60.

Crecí en Tijuana y tengo recuerdos muy bonitos de allá, pero mudarme a Los Ángeles me abrió muchas puertas. A veces la gente tiene una idea superficial de esta ciudad por el tema de Hollywood, pero en realidad tiene una riqueza artística y musical enorme. Hay algo especial en esta ciudad que cuesta describir. Tal vez sea la combinación del clima casi perfecto y la cantidad de gente creativa que vive aquí. David Lynch lo dijo bien: “Amo la luz de LA y la ciudad es tan extensa que me da un sentimiento de libertad.”

3. Llevas más de 10 años en la música. ¿Cómo sientes que ha evolucionado tu estilo a lo largo del tiempo?

Hay una esencia que se ha mantenido, ciertos sentimientos que siguen presentes en mi música, pero sí noto una evolución: ahora siento que mi trabajo tiene más estructura y madurez. En los últimos dos años he estado grabando más como si fuera una banda, con bajos y guitarras, justo como cuando empecé. La diferencia es que ahora lo hago todo yo solo.

4. Tu música ha sido descrita como cruda, intensa y atmosférica. ¿Cómo definirías tu sonido en tus propias palabras?

En este momento estoy entrando en una nueva etapa, mezclando sonidos menos electrónicos con influencias más convencionales, como la psicodelia de los 60 y 70, con una mezcla de Krautrock.

5. ¿Cuáles son tus principales influencias musicales, tanto dentro como fuera de la electrónica?

Me inspiran mucho las bandas sonoras de películas de los 60 y 70, como The Strangler, Rosemary’s Baby, 3 Women y American Friend. También bandas como Swans, que han logrado mantenerse frescos después de tantos años. Han evolucionado desde los 80 sin depender de sus “hits”, y siguen sacando música muy interesante.

6. Trabajas con hardware y sintetizadores en vivo. ¿Cómo es tu proceso de producción y qué equipo es esencial para ti?

Siempre he usado mucho el Roland 707 y el Korg MS-20; están conmigo desde que empecé este proyecto. Últimamente me estoy enfocando más en pedales, ya que he estado grabando mucho con bajos y guitarras.

Hubo un tiempo en el que me sentía bloqueado creativamente, así que decidí cambiar el proceso. Empecé a incorporar sonidos que normalmente no usaba en este estilo, como guitarras con un aire country o surf. Es parte de ser más honesto con mis influencias y mezclar elementos que antes no me atrevía a explorar.

7. Has tenido lanzamientos en sellos icónicos como Tresor y Mannequin Records. ¿Cómo fue trabajar con estos sellos y qué significó para ti?

Lo de Tresor surgió gracias a Helena Hauff, quien me invitó a participar. Me gusta mucho su estilo, compartimos varias influencias.

Con Mannequin fue un álbum en colaboración con Andi (de Synthicide). Fue un proyecto muy especial. No conocía personalmente a Alessandro (fundador de Mannequin), pero admiro mucho su ética DIY. Él se encarga de todo: distribución, marketing… Lleva años con el sello y ha trabajado con muchos nombres importantes del post-punk y el EBM. Lo respeto mucho por eso.

8. Fuiste parte de la compilación Kern de Helena Hauff en Tresor. ¿Cómo surgió esta oportunidad y cómo te sentiste al ver tu música en un proyecto curado por ella?

No recuerdo exactamente cómo comenzó todo, pero ya hablábamos ocasionalmente sobre música. Le enviaba tracks de vez en cuando, y un día simplemente me preguntó si me interesaba colaborar con un tema para la compilación que estaba curando para Tresor. Y así fue como sucedió.

9. Has publicado en sellos como X-IMG, 99cts Records y New York Haunted. ¿Cómo eliges los sellos con los que trabajas y qué buscas en una colaboración?

Antes me importaba mucho que el estilo musical del sello coincidiera con el mío. Ahora me interesa más la conexión personal. Puede sonar hippie, pero es real: prefiero trabajar con gente con la que conecto a nivel humano, porque eso hace que la relación profesional tenga más sentido.

10. Has tocado en eventos de gran calibre como Sonar, Mutek y Boiler Room. ¿Cuál de estas presentaciones ha sido la más significativa para ti y por qué?

Todas han sido significativas porque representan diferentes etapas de mi carrera. Pero Sonar fue especialmente memorable. Me gusta que el festival incluya artistas de muchos géneros; la organización fue muy profesional y me permitió descubrir muchos live acts distintos en una sola noche.

11. ¿Cómo preparas tus sets en vivo? ¿Qué diferencia un set de Machino en vivo de uno de DJ tradicional?

Hace años que no toco como DJ. Últimamente me siento bastante desconectado de esa escena. He estado más enfocado en lives, y honestamente ya no me interesa mucho el formato DJ porque siempre he escuchado más a bandas.

Mis presentaciones en vivo giran en torno al uso de dos instrumentos: pueden ser dos sintetizadores, una caja de ritmos y un micrófono. Trato de replicar lo más fielmente posible mi último disco, y siempre incluyo mis tracks más recientes.

12. ¿Qué es lo que más disfrutas cuando estás en el escenario?

Lo primero, tener un buen sistema de sonido; sin eso, es muy difícil tocar bien. También me gusta que el escenario permita una conexión real con el público, sin tantas barreras físicas.

Prefiero que el escenario esté oscuro, con luces estroboscópicas. Y ese pequeño nervio antes de salir también me gusta. Me motiva a no cometer errores.

13. ¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Hay nuevos lanzamientos o proyectos en camino?

Estoy trabajando en un nuevo álbum, que siento más complejo: tiene más vocales y un enfoque más melódico que mis discos anteriores. Todavía no tengo claro en qué sello saldrá, porque suena bastante diferente a lo que he lanzado antes. También tengo varias colaboraciones en camino, incluyendo una con Grenda.

14. ¿Cómo ves la evolución de la escena electrónica en México y en Los Ángeles? ¿Sientes alguna diferencia en la energía del público entre estos lugares?

Siempre he sentido que la escena en México es muy sólida y receptiva, sobre todo en CDMX y Guadalajara. En cambio, en Estados Unidos y en Los Ángeles en particular, el público es diferente. Depende de la ciudad, claro, pero por ejemplo, en México la gente se suelta desde temprano.

15. Finalmente, ¿qué consejo le darías a los productores emergentes que buscan hacer su camino en la música electrónica?

Disfruten lo que hacen, el proceso creativo es de lo más divertido para mi y a veces nos enfocamos mucho en el resultado…

Que experimenten sin miedo. Yo mismo siento que aún me falta explorar más. A veces las ideas más interesantes salen cuando te sales de tu zona de confort. Es un cliché, pero funciona, sobre todo cuando te sientes estancado y no estás satisfecho con lo que estás creando.

16. Recomiéndanos un track.

Jun Miyake - Lilies of the Valley.

17. ¿Nos puedes contar más de tu live con Andi? ¿Cómo ha sido este proceso creativo?

Fue una buena experiencia. Llevaba años sin colaborar con alguien, y todo fluyó muy bien desde el principio. Casi de inmediato firmamos el disco con Mannequin Records. La parte más complicada fue la distancia: ella vive en Nueva York y yo en Los Ángeles, así que no tuvimos muchas oportunidades para ensayar antes de algunos shows. Pero hubo buena dinámica entre los dos, y los lives fueron prueba de que la colaboración funcionó.