Dea Magna: Encontrando La Frecuencia

Crecer en Serbia durante los años posteriores a la guerra significaba entender la certeza de otra manera. La estabilidad no era simplemente una aspiración personal, sino algo que las familias intentaban reconstruir, muchas veces colocando lo práctico por encima de todo lo demás. Para Dea Magna, la música convivió con esa realidad desde muy pequeña. El piano clásico se convirtió en el lenguaje a través del cual entendía el mundo, aunque la adultez parecía exigirle un futuro diferente, uno medido menos por la expresión personal y más por la seguridad.

Solo más tarde comprendería que esos dos caminos nunca habían estado realmente separados. Lo que en un principio parecía una sucesión de vidas distintas, pianista, graduada en economía, productora de techno, fundadora de un sello, hoy se siente más como la eliminación gradual de todo aquello que se interponía entre ella y la persona que siempre había sido. A lo largo de nuestra conversación, la música aparece menos como una profesión y más como una forma de entender la identidad, la comunidad y el sentido de pertenencia, un hilo que conecta sus recuerdos de infancia en Belgrado con las pistas de baile de Berlín, Ámsterdam y Los Ángeles, donde la libertad se convirtió en algo que había que construir en lugar de simplemente encontrar.

“Al crecer en la Serbia de posguerra, la estabilidad se valoraba por encima de todo, como una forma de aferrarse a cierta sensación de control después de que el país se hubiera desmoronado. La música se convirtió en el primer lugar donde me sentí libre. Empecé a tocar el piano cuando tenía seis años. La música clásica se convirtió en el lenguaje a través del cual entendía el mundo.”

Después de doce años de formación clásica, estudiar economía parecía la opción más segura.

“Mis padres me animaron a estudiar economía porque ofrecía un futuro que parecía más estable. Vendimos el piano de nuestra familia para ayudar a pagar mi matrícula universitaria. Recuerdo ver a unos desconocidos sacándolo del departamento y sentir como si estuviera viendo desaparecer una versión completa de mi futuro. Pero con el tiempo encontré el camino de regreso a lo único que siempre me había hecho sentir realmente yo misma: la música.”

Hoy no considera que convertirse en artista haya sido un acto de rebeldía.

“Fue un acto de supervivencia personal. Mi manera de entender la seguridad cambió por completo. Me di cuenta de que evitar la incertidumbre no necesariamente te protege. A veces, el mayor riesgo es construir una vida que te aleja cada vez más de ti mismo.”

La misma idea atraviesa su relación con la música. Más que haber pasado de la formación clásica a la electrónica, con el tiempo entendió que ambos mundos siempre habían estado hablando el mismo idioma.

“Durante mucho tiempo pensé que estaba viviendo dos vidas musicales distintas. Una pertenecía al conservatorio, donde aprendía armonía y composición. La otra pertenecía a clubes oscuros y warehouses. La música clásica me enseñó disciplina. Me enseñó que la emoción se vuelve mucho más poderosa cuando está respaldada por una estructura. La música electrónica me enseñó que el sonido puede ser un vehículo capaz de transformar nuestra relación con nosotros mismos y con los demás.”

“Incluso cuando produzco techno, pienso tanto en armonía, tensión y composición como en ritmo. Para mí, esos dos mundos nunca fueron contradictorios. Uno me enseñó cómo se construye la música. El otro me enseñó por qué la gente la necesita. Todo lo que hago hoy existe en algún punto entre esas dos ideas.”

Ya sea detrás de los decks o incorporando elementos en vivo a través de su workstation Akai, ese diálogo entre estructura y espontaneidad continúa definiendo su manera de presentarse.

Si la música se convirtió en su lenguaje, la pista de baile fue el lugar donde su significado comenzó a expandirse.

“Creo que la gente suele describir la cultura de club como escapismo, pero esa idea nunca terminó de resonar conmigo. Escapar implica que la vida real existe en otro lugar. Algunos de los momentos más honestos que he vivido han ocurrido en pistas de baile.”

Hay un recuerdo que permanece especialmente vivo.

“Miss Kittin estaba tocando y, entre todos los artistas que vi durante aquellos años en Belgrado, destacó porque abordaba la música electrónica sin sentir que las fronteras entre géneros tuvieran que definirla. Más allá de su propuesta artística, lo memorable era que era una mujer. Al crecer en Serbia, rara vez veía mujeres ocupando posiciones como la suya. Ver a alguien como Miss Kittin controlar una sala con tanta naturalidad me hizo entender que la representación no es algo simbólico. Amplía aquello que podemos imaginar como posible. En ese momento no tenía las palabras para explicarlo, pero mirando hacia atrás, ella me dio permiso. Belgrado me enseñó resiliencia y comunidad. Berlín me enseñó la importancia de preservar una cultura. En Los Ángeles encontré mi libertad artística, y Ámsterdam se siente como una intersección natural donde todos estos mundos convergen. Lo que estos lugares tienen en común son sus pistas de baile transformadoras.”

Encontrar esa voz también significó aprender a confiar en instintos que no siempre habían sido comprendidos.

“Cuando empecé a tocar mis propias producciones, construía live sets alrededor de Ableton Push, sintetizadores e improvisación. Algunos dueños de clubes en Serbia me decían que era ‘demasiado Berlín para Belgrado’. Sentían que mis elementos en vivo y mi énfasis en la melodía no encajaban con lo que el público local esperaba del techno. Así que, durante un tiempo, me acerqué más al house. Mudármela a Los Ángeles me llevó de vuelta al techno. Encontré una escena mucho más abierta a cruzar influencias y menos preocupada por las fronteras entre géneros.

Conocer a Reinier Zonneveld en esa época se sintió simbólico. Finalmente había empezado a hacer música que realmente sonaba a mí, y él escuchó algo en esos tracks antes de que yo misma terminara de confiar en ellos. Empezó a apoyarlos en sus sets y eventualmente colaboramos. Ver cómo Okano, un track construido alrededor de voces tradicionales de los Balcanes, conectaba con audiencias de todo el mundo me recordó que las cosas que nos hacen únicos suelen ser precisamente aquellas con las que las personas conectan de manera más profunda.

Hoy, mi música existe en algún lugar entre grooves hipnóticos, energía industrial y la emoción del trance. Cuando vuelvo a escuchar mis primeros sets de techno, me sorprende lo cerca que están de lo que toco actualmente. El BPM es más rápido y los grooves son más pesados, pero emocionalmente sigo persiguiendo la misma sensación.”

Esa sensación de alineación se volvió todavía más clara después de descubrir, ya de adulta, que era autista.

“Descubrir que era autista hizo que décadas de experiencias de repente tuvieran sentido. Me ayudó a entender mi relación con la música, incluida la intensidad con la que me obsesiono con ella, por qué desarrollé oído absoluto, por qué podría pasar felizmente seis horas perfeccionando un sonido que la mayoría de las personas ni siquiera notaría conscientemente, o escuchar el mismo track mil veces sin cansarme. Superponer varios tracks durante un DJ set o improvisar con elementos en vivo no se siente como añadir complejidad. Es simplemente una expresión de cómo funciona mi mente.”

El diagnóstico también transformó la manera en que se entendía a sí misma más allá de la música.

“Durante mucho tiempo asumí que necesitaba volverme más espontánea o sentirme más cómoda en situaciones sociales. No entendía por qué cosas que parecían muy fáciles para otras personas requerían tanto esfuerzo consciente de mi parte. Entender cómo funciona mi mente cambió los estándares con los que me estaba midiendo. También amplió mi manera de pensar sobre los demás. Probablemente esa sea una de las razones por las que me importa tanto crear espacios donde distintos tipos de personas puedan sentir que pertenecen.”

Esa filosofía se extiende naturalmente a la pista de baile, donde piensa menos en generar impacto inmediato y más en crear las condiciones necesarias para que las personas experimenten algo duradero.

“Pienso a menudo en la idea de Neil Postman de que cada nuevo medio transforma aquello que una sociedad valora. Seguimos diciéndonos que estamos haciendo música para pistas de baile cuando, cada vez más, estamos creando momentos para las pantallas de los teléfonos. Quiero resistirme a eso.”

Su atención está puesta en la arquitectura emocional de un set, permitiendo que el groove, la tensión y las transiciones largas transformen gradualmente la sala antes de introducir momentos de claridad lírica.

“Últimamente me atraen naturalmente los tracks centrados en el groove que dejan espacio para que la tensión, la emoción y el momentum se desarrollen. También he empezado a preferir transiciones largas y fluidas, superponiendo tres o cuatro tracks hasta que las fronteras entre ellos desaparecen. El resultado se siente lo suficientemente familiar como para generar confianza, pero también lo suficientemente inesperado como para mantener a la gente abierta hacia donde quiera llevarla la música. Es entonces cuando me gusta introducir letras como pequeñas intervenciones emocionales. Ya sea celebrando la confianza femenina, cuestionando normas y expectativas sociales o animando a las personas a confiar un poco más en sí mismas, busco momentos que puedan resonar más allá de la pista de baile. Creo que la música tiene el poder de influir en cómo las personas se sienten consigo mismas durante una noche. Si alguien se va de mi set sintiéndose un poco más libre, un poco más valiente, un poco más visto, o simplemente más abierto a quien es o a quien podría llegar a ser, entonces la música hizo lo que yo esperaba.”

Esa idea de pertenencia ahora se extiende más allá de su propia música. El lanzamiento de Underdogs Records se siente menos como el siguiente paso de una carrera y más como una continuación natural de todo aquello que la ha formado.

“Una de las partes más significativas de este camino ha sido escuchar a mujeres jóvenes decirme que ver cómo se desarrollaba mi carrera les dio la confianza para empezar a hacer música ellas mismas. Esos mensajes me recordaron que, a veces, basta con ver a una sola persona hacerlo para ampliar aquello que creemos posible.”

Para Dea, la inspiración es solo el comienzo.

“Un artista puede inspirar a alguien. Una comunidad puede sostenerlo. Por eso espero que Underdogs Records se convierta en una comunidad, un lugar donde artistas que han pasado sus vidas sintiéndose como outsiders puedan encontrarse, apoyarse y crecer juntos.”

El sello está construido alrededor de una idea sencilla: la originalidad muchas veces comienza en los márgenes.

“Es para las personas a las que les han dicho que son demasiado emocionales. Demasiado extrañas. Demasiado femeninas. Demasiado diferentes. Demasiado melódicas. Demasiado ruidosas. Demasiado. Mujeres. Artistas queer. Artistas BIPOC. Artistas neurodivergentes. Productores de pueblos pequeños. Inmigrantes. Cualquiera que alguna vez se haya sentido subestimado o como si nunca hubiera recibido el mapa que todos los demás parecían tener. Quiero que el sello refleje la misma convicción que ha guiado mi propia carrera: que los artistas hacen su mejor trabajo cuando dejan de intentar encajar en moldes existentes y empiezan a confiar en aquello que los hace únicos. Cuanto mayor me hago, menos me interesa preguntarme si algo va a tener éxito y más me importa asegurarme de que se sienta honesto y significativo. Se ha convertido en el filtro que utilizo para todo lo demás.”

El siguiente capítulo continúa esa búsqueda e incluye una próxima colaboración con Culiner para el sello Mutate de Insomniac, un proyecto que reúne dos backgrounds musicales muy diferentes a través de un interés compartido por la composición y la experimentación.

“En el centro de todo esto hay una convicción en la que he aprendido a confiar. Creo en el poder de la mente humana para crear vidas en las que podamos sentirnos profundamente alineados con quienes realmente somos. Esto comienza por entendernos a nosotros mismos y aquello que nos impulsa. A partir de ahí, la comunidad se convierte en la fuerza que nos ayuda a seguir avanzando hacia esa versión de nosotros mismos. Espero que el trabajo de mi vida pueda animar a otras personas a descubrir más de todo aquello que es posible dentro de ellas.”

Una de las cosas que permaneció conmigo después de hablar con Dea Magna no fue un logro concreto ni un momento particular de su carrera, sino la consistencia de su manera de pensar. Existe muy poca separación entre la artista y la persona. Los temas que definen su música, identidad, pertenencia, curiosidad y honestidad emocional, también determinan la manera en que habla sobre la vida. Nunca se presenta como alguien que tiene todas las respuestas. Más bien, parece genuinamente interesada en formular mejores preguntas, ya sea sobre creatividad, comunidad o sobre la manera en que las personas se relacionan consigo mismas. En una industria que muchas veces recompensa la certeza y la imagen, esa tranquila conciencia de sí misma resulta sorprendentemente poco común.

También destaca su generosidad. A lo largo de nuestra conversación, el éxito rara vez apareció como una búsqueda individual. Prácticamente cada reflexión terminaba regresando a otras personas: los artistas que la inspiraron, las comunidades que la formaron o los espacios que espera crear para quienes nunca han terminado de sentir que pertenecen. Hay una apertura en su manera de ver el mundo que se extiende mucho más allá de la música. Sugiere a una artista que entiende que la influencia no se mide únicamente en discos o actuaciones, sino también en la confianza que otras personas pueden encontrar simplemente al ver a alguien aceptar quién es sin pedir disculpas por ello.