DARIN EPSILON

De la evolución del Progressive House y el Melodic House & Techno a los cambios en el panorama de la música electrónica, Darin Epsilon reflexiona sobre su trayectoria, Perspectives Digital, la cultura de club y aquello que continúa impulsándolo hacia adelante.

Darin Epsilon ha construido una carrera estrechamente ligada a la evolución del Progressive House y el Melodic House & Techno. Como DJ, productor, locutor de radio y fundador de Perspectives Digital, lleva más de dos décadas desarrollando una identidad sonora propia, mientras ha sido testigo de algunas de las transformaciones más importantes de la escena electrónica.

Sus producciones han aparecido en sellos como Ritter Butzke, Siona Records, Katermukke, Einmusika, Renaissance, Selador y Sudbeat, recibiendo el apoyo de artistas como Solomun, Adriatique, Joris Voorn, John Digweed, Sasha, Hernan Cattaneo y Miss Monique. Su trayectoria detrás de las cabinas también lo ha llevado desde clubes como Ministry of Sound y Stereo Montreal hasta festivales como Burning Man, Ultra Music Festival, BPM Festival y Rave The Planet.

Para Mixmag, hablamos con Darin Epsilon sobre sus comienzos, la evolución del Progressive House, la construcción de una identidad artística, la historia detrás de Perspectives Digital y su visión sobre el presente y el futuro de la música electrónica.

Has estado involucrado en la música electrónica a lo largo de diferentes generaciones y etapas de la escena. ¿Qué recuerdas especialmente de tus primeros años y qué fue lo que inicialmente te atrajo del Progressive House?

Crecí en Chicago, la cuna de la música house, así que la música electrónica estuvo presente desde que era muy pequeño. Cuando era adolescente, recuerdo sintonizar la radio universitaria de Northwestern University y escuchar a DJs locales poniendo música electrónica durante la noche. Me fascinaba tanto que muchas veces grababa esas transmisiones en casetes. Así fue como descubrí todo el mundo del dance underground: House, Techno, Drum & Bass, Trance, etc.

Como músico con formación clásica, y después de haber estudiado violín y piano, naturalmente me sentí atraído por el Progressive House debido a su énfasis en la melodía y en la teoría musical tradicional. Se convirtió en mi identidad durante la adolescencia. Algunos chicos eran góticos, otros metaleros, otros estaban interesados en el pop, pero para mí siempre fue la música electrónica, y específicamente el Progressive House.

Si comparas al Darin Epsilon que comenzó a producir música con el artista que eres hoy, ¿dónde sientes que ha ocurrido la mayor evolución?

Mantenerse al día con las tendencias musicales es realmente complicado. Lo que es popular un año puede quedar obsoleto al siguiente. Pero, en esencia, sigo produciendo la misma música de baile emocional y guiada por la melodía que siempre me ha atraído. Eso no ha cambiado desde el primer día.

Lo que sí ha evolucionado es la intensidad. Comencé mi camino produciendo Progressive House más profundo, siguiendo la tradición de Sasha, Digweed, Hernan Cattaneo y Nick Warren. Hoy mi sonido es más contundente, más orientado a la pista de baile y está más alineado con lo que hacen artistas como Anyma, Argy y Joris Voorn. La misma base emocional, pero una forma de transmitirla que ha evolucionado junto con la dirección actual de la escena.

¿Hubo algún momento, lanzamiento o actuación que consideres un verdadero punto de inflexión en tu carrera?

Sinceramente, no puedo señalar un único momento que haya llevado mi carrera al siguiente nivel. Ha sido más bien un proceso de construcción gradual a lo largo de 25 años, aunque hay algunos hitos que sí destacan.

Ganar en 2011 el concurso de DJs Structures Two de John Digweed y Bedrock fue un verdadero punto de inflexión. Superé a varios cientos de participantes de todo el mundo, y ese reconocimiento por parte de alguien como Digweed tuvo un peso importante dentro de la escena.

Mis residencias también han sido capítulos fundamentales, comenzando por Vision Nightclub en Chicago y Avalon en Los Ángeles, pasando después por Exchange LA junto a Insomniac Events y, más recientemente, mi residencia actual en Ritter Butzke en Berlín, uno de los clubes más importantes de Europa.

Los límites entre el Progressive House y el Melodic House & Techno se han vuelto cada vez más difusos. Como artista que se ha movido entre ambos mundos, ¿qué importancia tienen hoy para ti las etiquetas de género?

Conozco a varios artistas que mezclan ambos estilos dentro de un mismo set, pero las escenas en sí son bastante diferentes y están lideradas por artistas distintos. El Progressive House representa lo tradicional y lo profundamente arraigado: un enfoque que prioriza la narrativa paciente y los viajes musicales de larga duración. El Melodic House & Techno representa lo moderno y contemporáneo: es más visual y está más influenciado por la era de las redes sociales.

En la superficie pueden sonar similares, pero el mensaje y los públicos son diferentes. El Progressive House sigue conectando fuertemente con los Millennials y la Generación X que crecieron con este sonido. El MH&T ha sido adoptado por la Generación Z como una puerta de entrada a la música electrónica melódica. Ambos son válidos y ambos son importantes. Como artista que ha pasado tiempo en los dos mundos, para mí las etiquetas son menos importantes que los valores que comparten: la búsqueda de la emoción y la creencia de que la música electrónica puede conmover a las personas más allá de lo puramente físico.

Después de tantos años produciendo, ¿qué elementos necesita tener un track para que sientas que realmente representa el sonido de Darin Epsilon?

Es difícil explicarlo exactamente, pero cuando escucho un track, casi instintivamente sé si encaja en mis sets. Hay una sensación especial que tengo cuando encuentro los adecuados.

Personalmente, me atrae la música que tiene profundidad emocional Y suficiente groove y energía como para realmente impulsar una pista de baile. Muchos tracks tienen una cosa o la otra. O son hermosos, pero demasiado sutiles para funcionar a las 3 de la mañana, o golpean con fuerza, pero no dejan ninguna huella emocional. Cuando un track consigue ambas cosas, para mí esa es la combinación ganadora. Eso es lo que busco cuando produzco mi propio material y también cuando selecciono música para Perspectives Digital.

Fundaste Perspectives Digital en 2010. ¿Qué querías aportar originalmente a la escena con el sello y cuánto ha cambiado esa visión desde entonces?

En 2010 prácticamente no había sellos en Estados Unidos enfocados en lanzar y apoyar Progressive House. Quería crear una plataforma que defendiera este sonido en Estados Unidos y, al mismo tiempo, me diera la libertad creativa para publicar lo que quisiera y cuando quisiera. Creo que poder mantener el control sobre el calendario de lanzamientos es algo extremadamente importante para un artista hoy en día.

La visión realmente nunca ha cambiado. Quince años después, Perspectives Digital ha lanzado más de 400 tracks de más de 250 artistas, ha generado más de 37 millones de reproducciones en Spotify a través de nuestro catálogo y ha organizado showcases del sello en espacios de Berlín, Ámsterdam, Ibiza, Miami, Londres, Estambul, Barcelona y otras ciudades. Nuestro roster incluye artistas como Miss Monique, Hernan Cattaneo, DJ CHUS, Einmusik, Hannes Bieger, Sasha Carassi, Rafael Cerato y Space Motion, además de toda una generación de nuevos talentos a los que hemos ayudado a desarrollarse.

Para mí, la misión siempre ha sido la misma: apoyar el sonido que amo y ofrecer una plataforma a artistas cuya música merece ser escuchada.

En una industria en la que cada semana se lanzan miles de tracks nuevos, ¿qué necesita tener una producción para captar inmediatamente tu atención y potencialmente encontrar un hogar en Perspectives Digital?

El track tiene que ser único. Tiene que destacar y no sonar como una copia de aquello que está de moda en ese momento. Necesita tener un sentimiento real detrás, de lo contrario será olvidado en cuanto cambie el ciclo de tendencias.

Siempre he preferido fichar tracks con un sonido atemporal, que creo que seguirán funcionando dentro de cinco o diez años. Eso es más difícil de encontrar de lo que parece en el actual entorno de lanzamientos, donde cada semana llegan miles de tracks y la mayoría persigue la misma fórmula sonora.

¿Qué responsabilidad crees que tiene hoy un sello discográfico más allá de simplemente lanzar música?

Hoy un sello también está curando el gusto y la cultura. Es además una plataforma para desarrollar artistas y ayudarles a construir sus carreras a lo largo del tiempo. Hay mucho egoísmo y una mentalidad demasiado transaccional en esta industria, y creo que es realmente desafortunado. Un buen sello difunde arte y ofrece un apoyo real a los artistas, no solamente distribución.

Dicho esto, tiene que existir un equilibrio entre el arte y el negocio. No puedes dirigir un sello basándote únicamente en el idealismo para siempre. Lo que intento hacer en Perspectives Digital es mantenerme del lado del arte, al mismo tiempo que tomo decisiones que permitan que el sello sea sostenible a largo plazo. Después de quince años, creo que hemos encontrado un ritmo que funciona para nosotros.

Has actuado en entornos muy diferentes, desde Burning Man y Ultra Music Festival hasta Ministry of Sound, Stereo Montreal y The Bow. ¿Qué te han enseñado estas experiencias sobre cómo cambia la relación entre un DJ y el público de un lugar a otro?

Los públicos tienen gustos muy diferentes y saber leer correctamente una pista es una de las habilidades más infravaloradas que puede desarrollar un DJ. No tocaría el mismo set en Berlín que en Buenos Aires, ni tocaría lo mismo en Estados Unidos que en México.

Como DJ, mi trabajo es entender esos matices y adaptarme en tiempo real. Los mejores sets ocurren cuando no estás simplemente ejecutando un plan, sino escuchando realmente a la pista y dejando que el público determine hacia dónde vas.

Con festivales cada vez más grandes y sets de DJs que se comparten constantemente en redes sociales, ¿crees que ha cambiado la manera en que los DJs construyen y plantean sus sets?

Absolutamente, y ha sido un cambio importante. Cuando empecé a ser DJ, era completamente normal tocar tracks de nueve minutos, con largas construcciones y breakdowns. Ahora, la mayoría de los tracks duran la mitad y van directamente al hook. Hoy, cualquier cosa que supere los seis minutos parece casi impensable en un set de peak time.

Ese es el efecto de TikTok e Instagram Stories en la sociedad. La capacidad de atención se ha reducido en todas partes y la música de baile no es inmune a ello. Como artista tienes que aceptar la realidad y trabajar con ella. Personalmente, sigo intentando construir tensión en mis sets y utilizar breakdowns más largos cuando el momento lo pide. Algunos de los momentos más poderosos en una pista de baile ocurren cuando te tomas tu tiempo y dejas que algo se desarrolle.

Después de tantos años de giras internacionales, ¿qué ciudades o escenas sientes que tienen actualmente una conexión especialmente interesante con tu sonido?

Para el Progressive House, Argentina siempre ha sido el lugar número uno del mundo para tocar. Sus públicos tienen un conocimiento musical excepcional y son increíblemente apasionados. Brasil, Colombia, Sri Lanka, Países Bajos, Hungría y Serbia también son lugares donde el público realmente conoce los tracks y sigue a los artistas.

Para el Melodic House & Techno, el mapa es diferente. Por lo que he observado, este sonido se ha convertido realmente en algo global, pero es especialmente popular en Europa, Oriente Medio e India. El perfil demográfico y el contexto cultural varían según la región, y parte de lo que hace interesante salir de gira es adaptarse a esas diferencias de una ciudad a otra.

Hoy se espera que los productores hagan mucho más que música: también existe presión por crear contenido, construir una imagen y mantenerse constantemente visibles. ¿Cómo crees que esto está afectando al desarrollo artístico de las nuevas generaciones?

Los productores que intentan construir una carrera hoy tienen mucho que gestionar. Las redes sociales ni siquiera formaban parte de la ecuación cuando empecé a ser DJ. Nosotros construíamos nuestra reputación a través del boca a boca y de la calidad de la música que pinchábamos. Hoy se espera que los artistas sean sus propios diseñadores gráficos, agentes de booking, managers, planificadores de redes sociales, editores de vídeo y especialistas en marketing, además de hacer música.

Creo firmemente que la buena música es lo que construye una base de fans fiel y duradera. Otros estarán en desacuerdo, pero he visto este ciclo suficientes veces como para comprobar cómo se desarrolla. Los artistas que persiguen las tendencias a menudo terminan agotándose o perdiendo relevancia cuando desaparece el factor novedad. Los que permanecen a largo plazo suelen ser los verdaderos amantes de la música que mantuvieron el foco en su oficio. Las redes sociales tienen su lugar como herramienta, pero no pueden ser toda la estrategia.

Con tanta música publicándose cada día y herramientas de producción cada vez más accesibles, ¿qué crees que diferencia realmente a un artista con una identidad propia del resto?

Construir un sonido propio en un mercado tan saturado no es una tarea sencilla. Al final del día, lo más importante es mantenerse fiel a uno mismo. Publica música en la que realmente creas, no música que imite aquello que es popular este año. Aporta valor a la escena, no contribuyas simplemente al ruido.

La identidad surge de la consistencia a lo largo del tiempo. Si continúas publicando música que refleja una visión propia y genuina, tarde o temprano el público te encontrará. Es más lento que perseguir tendencias, pero construye algo duradero. Las tendencias pasan. La identidad permanece.

Después de una carrera tan extensa, ¿qué es algo que todavía quieres conseguir o explorar con Darin Epsilon y que sientas que aún no has hecho?

Todavía hay algunas cosas en mi lista. Creativamente, lo que más me entusiasma es desarrollar un formato completo de directo, potencialmente con una orquesta en vivo. Teniendo en cuenta mi formación en música clásica, me parece una evolución natural y llevo un tiempo pensando en cómo hacerlo realidad.

En cuanto a las giras, me gustaría construir una presencia más constante en Ibiza. Para mí, Ibiza sigue siendo el destino culturalmente más importante del mundo para la música de baile, solo por detrás de Berlín. Tener una presencia real allí es una de mis grandes ambiciones.

También quedan algunos festivales de ensueño en mi lista. Cercle sería algo extraordinario, teniendo en cuenta cómo han definido el lenguaje visual y sonoro de la música electrónica a nivel mundial. OFFSónar en Barcelona es otro de ellos. Y tocar en Tomorrowland o EDC serían auténticos hitos. Ambos festivales han abrazado especialmente el Melodic House & Techno en los últimos años, y formar parte de ese movimiento a una escala de festival tan grande significaría mucho para mí.

Más allá de todo eso, quiero seguir construyendo Perspectives Digital como una marca global y continuar apoyando a la próxima generación de artistas dentro de nuestro género.

Tu último lanzamiento, “Ghost”, cuenta con la participación de la vocalista italiana Lacey y marca tu primer track original con voz desde “My Own Time”, de 2015. ¿Cuál es la historia detrás de este track y qué hizo que este fuera el momento adecuado para volver a trabajar con una vocalista?

Había estado guardando el instrumental durante un tiempo, pero nunca terminaba de sentirse completo por sí solo. La atmósfera y el groove estaban ahí, pero faltaba ese elemento humano que aportan las voces.

Descubrí inicialmente al vocalista a través de SoundBetter, una plataforma online que conecta a artistas con músicos de sesión y productores. Graba bajo el nombre de RoundRobin, pero cuando comenzamos a hablar sobre lanzar “Ghost” juntos, sugirió publicarlo bajo el nombre de Lacey. Su otro alias tiene actualmente más de un millón de oyentes mensuales en Spotify, después de haber colaborado con artistas como Meduza, Lost Frequencies, Don Diablo y muchos otros.

Ha pasado una década desde “My Own Time”, que sigue siendo una de mis producciones más reconocidas y ya ha superado los cinco millones de reproducciones. He lanzado mucho material instrumental durante este tiempo, pero encontrar al vocalista adecuado para la canción adecuada es mucho más difícil de lo que uno podría imaginar. Con esta colaboración y este track, todo encajó. Sentí que era el momento adecuado para volver a este tipo de composición colaborativa.

“Ghost” es un track que hice específicamente pensando en el verano y en la temporada de eventos al aire libre. Representa el punto en el que me encuentro creativamente ahora mismo: la intersección entre melodías cálidas y esa energía más enfocada en la pista de baile hacia la que me he ido inclinando durante los últimos años. Estoy realmente orgulloso de cómo quedó.