Ben Techy: Más Allá De La Reacción Del Público

“Kein Vorbei” llegó antes de que Ben Techy tuviera demasiado tiempo para interferir con ella.

Las melodías avanzaban con rapidez. Había estado experimentando con patches de sintetizador creados por él mismo, improvisando con el teclado y probando el pitch bending mediante MPE, influenciado en aquel momento por Aloboi. Una idea llevó a otra y, en cuestión de un día, el track estaba terminado. Ben ha aprendido a reconocer ese tipo de sesiones. Cuando la música parece avanzar más rápido de lo que sus manos pueden capturar, normalmente hay algo que merece la pena seguir.

Lo diferente esta vez fue la ausencia de un público imaginario.

Durante años, alguna versión de la misma pregunta lo había acompañado al estudio: ¿le gustará esto a la gente? Con “Kein Vorbei”, esa pregunta perdió temporalmente su autoridad. El track surgió, en cambio, de la sensación de estar atrapado dentro de un sistema que poco a poco te arrebata la identidad, el propósito y cualquier noción estable del tiempo. Ben quería capturar el entumecimiento de volverse mecánico mientras todo a tu alrededor continúa avanzando.

En ese momento, asumía que los oyentes buscaban algo más agresivo e industrial dentro del hard techno. Sin embargo, la exposición melódica y emocional de “Kein Vorbei” conectó con más fuerza de la que esperaba.

“Pasé años preguntándome: ‘¿Le gustará esto a la gente?’. ‘Kein Vorbei’ fue probablemente la primera vez que estuve más interesado en saber si me gustaba a mí.”

Hay cierta ironía en lograr un punto de inflexión precisamente al dejar de preocuparse tanto por conseguirlo. Para Ben, la lección fue más útil que el resultado. Darle a la gente lo que imaginas que quiere no es necesariamente lo mismo que darle algo que pueda reconocer como significativo.

Esa distinción atraviesa ahora gran parte de su manera de entender la música más dura.

Un track puede golpear con fuerza sin generar demasiado movimiento. Puede ser técnicamente impecable sin dejar detrás una idea memorable. Ben está cada vez más interesado en aquello que permanece una vez pasado el primer impacto.

Para él, todo empieza con el groove.

“El groove es la diferencia entre un track que te hace pisar fuerte y uno que realmente te hace moverte.”

Kick, bajo y percusión funcionan como una relación, no como una simple colección de sonidos. Su carácter importa, pero también dónde se sitúa cada elemento y cómo interactúa con los demás. Es una de las razones por las que el Schranz sigue captando su atención. Una idea rítmica puede repetirse hasta volverse absorbente y, entonces, una mínima variación reinicia el oído: un golpe de percusión, un juego de llamada y respuesta, un sonido extraño que aparece exactamente en el lugar adecuado. Puede que el oyente no registre conscientemente el cambio, pero el cuerpo sí lo hace.

Esa respuesta física no puede reducirse al volumen. Ben desconfía de los tracks que intentan hacer que cada sección se sienta como un clímax. La escalada constante termina por aplanarlo todo. Sus arreglos dependen, en cambio, de la anticipación, la retirada y el regreso.

Es más severo cuando habla de producciones cuya identidad desaparece en cuanto se elimina el kick.

“Si toda la identidad de un track consiste en que suena doloroso, no estoy seguro de que haya mucho más por descubrir después de los primeros treinta segundos.”

A Ben le gustan los sonidos abrasivos. Lo que no le interesa es la abrasión como punto final. Tiene que existir otra razón para quedarse: una melodía, una atmósfera, tensión, algo desconocido que adquiera significado a través de su posición dentro del track.

Al crecer en Escocia, escuchaba atentamente el techno hipnótico de estilo berlinés y el hard groove. Le atraía la música capaz de mantenerse oscura, repetitiva y minimalista sin tener que explicarse constantemente. Esas influencias se hicieron lo suficientemente visibles en su propio trabajo como para que los oyentes asuman con frecuencia que es alemán.

Entiende por qué.

Las voces en alemán aparecen a menudo en sus producciones, y a Ben le gusta el peso que tiene el idioma sobre estructuras rítmicas más duras. Su pronunciación funciona musicalmente para él, al mismo tiempo que permite que las ideas se expresen de una forma menos literal de lo que quizá ocurriría en inglés. El idioma se convirtió en otra textura dentro de un sonido que ya estaba absorbiendo la influencia de Berlín sin pretender pertenecer a ella.

Esa misma preferencia por las ideas por encima de la superficie define su proceso de producción.

La mayoría de sus proyectos comienzan con una melodía. Ben trabaja sobre una idea hasta que puede percibir la posibilidad de un track completo y entonces se imagina de pie entre el público, escuchándolo por primera vez. Si empieza a moverse en su asiento o siente que se le eriza la piel, sabe que hay algo que merece la pena desarrollar.

Solo entonces comienza el trabajo más obsesivo.

Su formación técnica hace que la contención resulte especialmente importante. Ben trabajó como ingeniero de mastering en lanzamientos de artistas y sellos consolidados, además de enseñar producción a músicos que posteriormente publicaron su propia música. Sigue siendo extremadamente crítico con sus mezclas y, con frecuencia, vuelve a escuchar tracks ya publicados y detecta balances o decisiones que hoy cambiaría.

Pero la insatisfacción técnica tiene sus límites.

Un productor puede pasar un día entero cambiando compresores y ecualizadores mientras evita enfrentarse a la posibilidad de que sea el propio arreglo lo que no funciona. Estar ocupado puede disfrazar fácilmente la indecisión.

“La mezcla debería darle vida a la idea, no ser lo que hace que la idea funcione.”

Esa preferencia por la construcción por encima del pulido se vuelve física cuando Ben está detrás de los decks.

Rara vez prepara un set como una secuencia fija. En cambio, observa la pista en pequeños fragmentos, levantando la mirada entre una decisión y otra para entender si la gente está completamente con él, esperando que algo cambie o siguiéndolo hacia un lugar inesperado.

Trabajar con cuatro decks le permite tratar los tracks como materia prima en lugar de objetos terminados. La percusión de un disco puede colocarse sobre otro. Los top loops y las voces se desplazan entre distintas estructuras. A veces carga el mismo track en dos decks para manipular elementos por separado, mientras que otras ediciones se realizan en directo.

“No me limito a pasar de un track terminado a otro; tomo piezas de diferentes tracks y hago que funcionen juntas.”

Puede saber a qué track quiere llegar, pero no necesariamente cómo va a llegar hasta él. El público puede cambiar la ruta. Una transición se alarga, otro track interviene, un elemento permanece más tiempo del esperado. Los mejores sets no son simplemente aquellos en los que el público termina sorprendido.

“Los mejores sets son aquellos en los que casi termino sorprendiéndome yo mismo de dónde he acabado.”

Ese énfasis en la implicación también explica su incomodidad frente a otra versión del DJ contemporáneo: aquella diseñada principalmente para demostrar que se está llevando a cabo una actuación.

Ben distingue entre ser bueno como DJ y parecer que eres bueno como DJ. Las cámaras han hecho que esa diferencia sea más difícil de ignorar.

Su objeción no está dirigida a la expresión física en sí misma. El problema comienza cuando los gestos sustituyen a las decisiones musicales. Seleccionar los tracks adecuados, comprender cómo interactúan entre sí y controlar la energía siguen siendo, para él, el verdadero trabajo. La tecnología debería ampliar esas posibilidades, no reducirlas.

“Si las barreras técnicas son menores, creo que el nivel de exigencia debería aumentar con ellas.”

Sin embargo, su crítica a la cultura de las cámaras se vuelve más interesante cuando se incluye a sí mismo dentro de ella.

Ben sabe lo que ocurre cuando una gran noche se convierte en contenido. El público puede haber estado completamente entregado, pero después llegan los vídeos. En uno de los clips, la reacción parece menos explosiva que en las imágenes de otro show.

“No hay duda de que las redes sociales han ayudado al hard techno a llegar a personas que quizá nunca lo habrían descubierto de otra manera. He visto crecer enormemente la escena, y plataformas como Instagram y TikTok han desempeñado un papel enorme en ello. No creo que eso sea inherentemente negativo. Sigue habiendo muchísima gente que va a los shows y se pierde por completo en la música.”

Nada de lo ocurrido durante la noche ha cambiado. Lo que cambia es la vara con la que se mide.

“Donde creo que empieza a volverse problemático es cuando la versión online de la experiencia comienza a influir en la propia experiencia. Definitivamente me he descubierto haciéndolo también. Recibes los vídeos de un show y, aunque el público lo haya pasado increíble, quizá tienes un clip en el que la reacción no es tan explosiva como la de otra noche. De repente piensas: ‘No puedo publicar eso’. Quieres que el contenido represente los mejores momentos, y creo que eso puede generar una presión por perseguir constantemente reacciones cada vez mayores. Es como si necesitáramos pruebas de que el público alcanzó la iluminación espiritual en cada show.”

La broma encierra una tensión real. Se espera que cada público parezca desbordado, que cada drop sea enorme y que cada actuación sea capaz de generar pruebas de que ocurrió algo excepcional. Pero el propio enfoque de Ben depende de dinámicas que no siempre pueden traducirse en esos pocos segundos. La tensión necesita espacio. La repetición necesita tiempo. Una pista puede estar profundamente conectada sin producir constantemente el tipo de reacción que mejor funciona en una pantalla.

Él no se sitúa fuera de esa contradicción. Participa en el mismo entorno, publica vídeos y entiende el deseo de mostrar los momentos más fuertes. La cuestión es si la representación empieza a influir en la experiencia que originalmente debía documentar.

“Si cada momento tiene que parecer el punto máximo de la noche en un clip de 15 segundos, existe un incentivo para hacer que todo sea cada vez más fuerte, más duro y más dramático. Intento no dejar que eso influya en lo que toco. No quiero hacer música ni tocar un set basándome en lo que creo que funcionará bien en redes sociales. Las personas que están frente a mí son el público que importa. Si están completamente perdidas en la música, no me preocupa especialmente si eso serviría para hacer un buen clip de Instagram. No hay ningún algoritmo en la pista de baile.”

Es otra versión del problema que “Kein Vorbei” puso al descubierto en el estudio: ¿qué ocurre cuando la reacción anticipada empieza a tomar las decisiones?

La relación de Ben con la longevidad añade otra dimensión a esa pregunta.

La música había ocupado gran parte de su vida antes de que su proyecto artístico alcanzara su impulso actual. Escribía y grababa desde la adolescencia, trabajó detrás de escena y enseñó a otros. Después, un grave accidente automovilístico lo alejó de la música durante varios años.

Lo describe como uno de los periodos más difíciles de su vida. La distancia también lo obligó a reconsiderar qué quería obtener de la música y qué tipo de vida podía construir alrededor de ella. Cuando regresó, la longevidad se había convertido en parte de su carrera, en lugar de ser algo que dejaría para pensar más adelante.

“No tiene mucho sentido construir algo exitoso si terminas agotándote intentando mantenerlo.”

Ben quiere seguir desarrollando su música y, eventualmente, crear sus propios eventos y conceptos alrededor del mundo. Pero crecer ya no tiene demasiado sentido para él si ese crecimiento destruye las condiciones necesarias para poder continuar.

Lo que quiere dejar atrás es igualmente sencillo. Un track escuchado años después debería seguir llevando sus huellas. Más importante aún, quiere que alguien recuerde lo que ese track significó para esa persona.

Y eso devuelve la historia a “Kein Vorbei”.

El track no fue creado como una estrategia para diferenciarse. Surgió de un día en el que la distancia entre sentir algo y crear algo se volvió inusualmente pequeña. Las melodías llegaron, Ben las siguió y el público vino después.

Sigue observando a ese público. Cambia de dirección por él. Conoce la tentación de anticipar qué producirá la reacción más grande, ya sea en la pista o en una pantalla.

Pero escuchar una reacción y permitir que esa reacción tome la decisión son dos cosas diferentes.

El siguiente track todavía tiene que conmoverlo a él primero.