Ray Mono

Ray Mono se consolida como una figura clave dentro de la escena underground, en constante evolución, adaptación y empujando las cosas hacia adelante desde la primera línea. Su sonido se apoya en grooves envolventes y contagiosos que te atrapan poco a poco, impulsados por líneas de bajo cálidas y una percusión sutil, detallada y medida. Ya sea detrás de las tornamesas o en el estudio, su enfoque se siente fresco y preciso, diseñado para mantener la pista en movimiento y a los oyentes inmersos en el groove durante horas.

En el núcleo de su música está el arte de construir atmósferas, guiando al oyente a través de estados de ánimo cuidadosamente moldeados, llenos de creatividad, giros inesperados y un fuerte sentido narrativo. Con lanzamientos en sellos de renombre como Locus, OGE, Pleasure Zone, META, Do Not Sleep, Moxy Muzik y PIV, así como en HedZup, Moan Recordings, Bamboleo y Tamango, Ray Mono continúa explorando nuevos territorios sonoros mientras se mantiene fiel a su sonido característico, su profundidad emocional y su groove inconfundible.

– Orígenes: ¿cómo comenzaste tu carrera como DJ/productor?

Después de pasar mi primera temporada trabajando en Ibiza en el verano de 2005, viviendo DC10 en aquellos años cuando la terraza todavía era al aire libre. Toda la vibra era verdaderamente underground, sin smartphones, nada de eso.
Ver a DJs como Loco Dice haciendo warm up sets, pinchando vinilos durante horas, justo en el momento en que Luciano y Villalobos empezaban a hacerse un nombre, fue decisivo. Recuerdo pensar: quiero formar parte de esto.

En cuanto regresé, me compré mi primer par de Technics 1210’s, y hasta el día de hoy sigo usando ese mismo par.
También tenía claro que quería llevar esa vibra de vuelta al Reino Unido. Así que, en lugar de montar un evento un viernes o sábado por la noche en un club establecido, mi idea era complementar la escena y no competir con ella. Por eso hicimos fiestas de domingo durante el día, pero con line ups propios de sábado por la noche. Ahí nació mi evento “mono_cult”, que inicié junto a amigos de ese verano en Ibiza. Así fue como empecé a tocar en eventos.

La producción llegó para mí unos 10 años después, cuando decidimos parar las fiestas tras el décimo aniversario. De todos los que formábamos parte de “mono_cult”, yo siempre fui el que tuvo más interés en hacer música y en probar suerte como DJ/productor a tiempo completo, así que sentí que ese era el momento adecuado para hacerlo.

– Has sido una presencia constante dentro del circuito underground. ¿Qué significa para ti evolucionar sin perder tu identidad en una escena que avanza tan rápido?

Buena pregunta. Si lo piensas bien… es supervivencia, jaja. Pero no puedes simplemente subirte a cada tendencia. Tienes que ser fiel a lo que amas musicalmente y asegurarte de que eso siempre esté presente en lo que haces.

Hoy en día, muchas “tendencias” nacen de algo que se vuelve viral, y la mayoría de las veces por razones que no tienen nada que ver con la música. Yo sería muy cauteloso siguiendo algo solo por intentar mantenerme relevante. La gente no es tonta: reconoce un truco cuando lo ve y sabe quiénes son los verdaderos artistas.

– Tu sonido se define por grooves envolventes, líneas de bajo cálidas y percusión sutil. ¿Cómo llegaste a ese equilibrio y qué tan consciente estás cuando produces o tocas?

Siempre me ha atraído la percusión con swing, llena de variaciones, y las líneas de bajo rodantes desde mis primeros años viajando a Ibiza a principios de los 2000. Para mí, eso es la columna vertebral de un track.

Creo que hoy en día me sale de forma casi subconsciente después de tantos años, pero es lo que realmente capta mi atención en la pista de baile.

– Pregunta adicional: ¿eres de Londres o de otra parte del Reino Unido? Te pregunto para entender cómo has visto evolucionar la escena desde que comenzaste hasta ahora.

Nací y crecí en Liverpool. He visto cómo la escena en el norte de Inglaterra ha evolucionado, con clubes cerrando, pero también con nuevas zonas de las ciudades desarrollándose, y de ahí han surgido cosas muy buenas. La gente, los productores y los DJs son la sangre que mantiene vivos a los clubes.
Liverpool, por ejemplo, es hoy mucho más fuerte que cuando yo estaba creciendo. Por eso me mudé a Leeds en su momento, porque allí había más clubes de house underground.

Algo que sí he notado es el crecimiento de los superclubs a partir del sonido underground. A medida que se ha vuelto más popular, ahora hay enormes venues en casi todas las grandes ciudades. Esto puede ser algo bueno, pero también puede volverse negativo cuando los promotores con más capital intentan monopolizar la escena y controlar quién puede ser programado.
Sin los clubes pequeños que hicieron crecer la escena desde el inicio, no existirían esos grandes venues. Desde mi experiencia como promotor en el pasado, creo que deberían estar agradecidos con esos espacios pequeños que cuidaron y desarrollaron a los artistas underground que hoy son grandes nombres.

Lo ideal sería que se crearán alianzas entre clubes para promover eventos y cubrir todos los ángulos. Lo último que necesita la escena es que los espacios pequeños desaparezcan o queden fuera por monopolios. Hay espacio para que todos coexistan y para que los DJs toquen en venues de todos los tamaños, en mi humilde opinión.

– Hay un claro sentido de storytelling tanto en tus DJ sets como en tus producciones. ¿Qué tan importante es para ti contar una historia en la pista de baile?

Supongo que se le puede llamar contar una historia, pero para mí lo más importante es no limitarte a un solo género ni a una sola energía durante todo el set. No importa si tocas a más de 130 BPM durante dos horas, la gente se va a aburrir tarde o temprano cuando todos los tracks empiezan a sonar iguales.
Tienes que mantener al público atento y con curiosidad. Normalmente no diría esto, pero creo que viene al caso. Hace poco recibí el que para mí es uno de los mejores cumplidos que puede recibir un DJ: que me dijeran que nunca habían escuchado géneros mezclados de la manera en que yo lo hago, con transiciones tan largas, pasando de old school tech house y UK garage a minimal.

Nunca lo pensé de forma consciente, porque simplemente es la música que me viene a la cabeza mientras estoy tocando. Después de 20 años pinchando, no todos de manera profesional, siento que tienes el tiempo suficiente para curar tu propio estilo a través de los discos que has ido coleccionando a lo largo de los años.
Sinceramente, fue muy bonito saber que eso se estaba notando, sobre todo las mezclas y transiciones largas, porque ahí es donde creo que nace gran parte del “storytelling” de un set. Nunca deberías hacer solo mezclas rápidas; eso se vuelve tan repetitivo como mantener la misma energía todo el tiempo.

– Cuando estás detrás de las tornamesas, ¿qué señales del público te indican que es momento de llevar el set hacia una dirección inesperada?

Depende mucho del horario en el que esté tocando y de cuánta gente haya en la pista. No tiene sentido poner música de alta energía con una pista vacía; primero tienes que invitar a la gente a entrar, construyendo la energía poco a poco.

En cuanto a las señales, creo que cuando tienes la pista llena y ves a todo el mundo saltando y pasándola bien, sabes que tienes su atención. En ese momento están dispuestos a dejarse llevar en un viaje. A veces ese giro inesperado viene bajando la energía, pero eligiendo un track que mantenga el groove y tenga algún elemento único, como un riff de sintetizador muy marcado al que la gente se pueda agarrar.

Curiosamente, esos momentos suelen convertirse en los más memorables del set, incluso más que los tracks pensados para grandes escenarios.

– En el estudio, ¿sueles comenzar desde el groove, la línea de bajo o desde una emoción específica que quieras transmitir?

Normalmente empiezo desde abajo y voy construyendo hacia arriba. Primero la percusión, luego la línea de bajo y después las frecuencias más altas. No hay una forma correcta o incorrecta de hacerlo, simplemente es la manera en la que he trabajado desde que empecé a producir, hace casi 10 años.

Puedo entrar al estudio con una idea en mente, pero rara vez se mantiene así, jaja. Una vez que empiezo, suelo dejar que la música me lleve en una dirección. Si algo suena bien para mí, veo hasta dónde me lleva.

– Cada lanzamiento parece explorar nuevos territorios sin romper con tu sonido central. ¿Cómo defines esa línea entre exploración y coherencia sonora?

– Has lanzado música en sellos como Locus, PIV, META, Do Not Sleep y Moxy Muzik, entre otros. ¿Qué buscas en un sello antes de decidir publicar con ellos?

Muchos de los sellos en los que he lanzado son de amigos dentro de la industria. Muchas veces ellos me invitan directamente a hacer un release, o bien yo me pongo en contacto porque me gustan sus lanzamientos anteriores y los artistas que forman parte del sello, así que les envió música porque siento que encaja conmigo.

Siempre deberías buscar lanzar música en sellos que realmente te gusten y en los que puedas verte trabajando junto a los artistas y los dueños del proyecto.

Hoy en día, muchos sellos grandes también organizan eventos, y eso puede ser un factor decisivo, porque todos buscamos tocar con frecuencia y en las mejores fiestas. Actualmente, muchas de las mejores fiestas están ligadas a los mejores sellos; solo hay que mirar el caso de FUSE.

– Mirando hacia atrás, ¿hay algún lanzamiento que sientas que marcó un punto de inflexión en tu carrera?

El lanzamiento que me abrió las puertas a mis primeras giras internacionales y a cobertura en medios y artículos fue en MOXY Muzik, con el track “Esperanza”. El verano anterior a su salida fue, sin exagerar, uno de los temas más grandes del momento, y ver a algunos de los DJs más importantes del mundo pinchándolo y obteniendo reacciones enormes fue increíble. Además, alcanzó el número 1 en Beatport, lo cual definitivamente captó la atención a nivel mundial.

Hay otros lanzamientos clave, como el de Locus, por quién dirige ese sello, Enzo Siragusa, y por ser un sello hermano de FUSE.

Pero he perdido la cuenta de cuántos releases he hecho y, una vez que uno sale, ya estoy pensando en el siguiente. Nunca puedes sentarte a pensar que un track te va a sostener la carrera. Hoy en día se produce muchísima música y, si no sigues avanzando, te olvidan.

– Desde tu perspectiva, ¿qué hace que un groove conecte realmente con la pista de baile y se quede en la memoria de la gente?

Tener un elemento que destaque, ya sea la línea de bajo o un riff de sintetizador, realmente ayuda a enganchar a la pista. Menos es más cuando se trata del número de elementos que tiene un track, siempre y cuando todos sean de alta calidad, dialoguen entre sí y tengan su propio espacio dentro de la mezcla.

Eso permite que un tema capte la atención de distintas maneras: algunos estarán pendientes de los cambios en la percusión y conectarán con eso, otros quizá canten los vocales, y el resto se dejará llevar por el bajo y los sintetizadores.

– ¿Te interesa más provocar una reacción inmediata o construir una conexión más lenta y duradera con el público?

Depende totalmente del horario en el que esté tocando. Si estoy haciendo warm up, buscó construir una conexión duradera poco a poco, levantando la pista gradualmente.

Si, en cambio, quieres captar la atención porque acabas de empezar a tocar y estás en un horario más cercano al peak time, puedes comenzar con un track que atrape al público desde el primer momento.

Pero para hacer eso no es necesario cortar el track anterior. Hay que ser respetuoso con el DJ que tocó antes que tú. Puedes lograrlo mezclando el tema poco a poco durante un largo periodo, antes de sacar el otro del loop, dejando que ambos convivan durante varios minutos. Eso permite que el último track del DJ anterior se escuche como debe.

Esto es una etiqueta básica de DJ y es muy importante. No vas a ganar amigos siendo irrespetuoso de esa manera.

– ¿Hay otros géneros musicales que te gusten pero que no incluyas directamente en tus sets?

Soy un niño de los 80, así que no voy a mentir: me inspiro mucho en la música de esa década. Además, crecí escuchando hip hop a principios de los 90 antes de meterme de lleno en la música electrónica. Eso se puede escuchar en la música que produzco y en los samples que utilizo. Aunque no pinche los temas originales en mis sets, mis propios tracks llevan ese sabor incorporado. Probablemente mucha gente no se da cuenta de dónde vienen algunos ganchos o samples, y eso es justo lo que me gusta.

No me gusta usar samples obvios; eso es demasiado fácil. Hay que mantener al público con la intriga, siempre adivinando qué viene después…

– ¿Te dedicas a algo más como hobby o trabajo en tu vida?

Esta es mi actividad a tiempo completo, si es que se le puede llamar “trabajo”. Mi hobby siempre fue viajar y esto va totalmente de la mano, así que no podría estar más feliz de conocer partes del mundo que probablemente nunca habría visitado de otra forma.

No planeo vacaciones de verano; voy a donde el “trabajo” me lleva, y me encanta que sea así porque conozco a personas afines que terminan convirtiéndose en amigos para toda la vida. Hace que el mundo se sienta grande, tener amigos repartidos por todo el planeta. De eso se trata la vida.

– ¿En qué punto creativo te sientes que te encuentras ahora y qué podemos esperar de tus próximos lanzamientos?

En esta etapa quiero lanzar solo unas pocas veces al año, en sellos en los que realmente he querido estar. Cuando estás empezando, creo que es importante ser prolífico para que tu nombre destaque.

Una vez que construyes una “buena” reputación, menos puede ser más. En cuanto al estilo musical, estoy haciendo música con energía, pero manteniendo siempre el groove.

El sonido del Reino Unido siempre ha sido así: elementos de old school tech house entrelazados con UK garage y minimal.

– Para cerrar, ¿cómo te gustaría que la gente describiera la experiencia de un set de Ray Mono después de varias horas en la pista de baile?

Espero que coincidan con los comentarios que recibí recientemente, sobre que mezcló distintos géneros de una manera que quizá no habían escuchado antes.

Hoy en día es difícil que te perciban con un estilo propio, porque hay muchísimos DJs. Así que si logro que la gente sienta que escuchó algo nuevo, entonces mi trabajo está hecho.

– Y por último, ¿de dónde viene el nombre Ray Mono?

Me lo preguntan muchísimo, especialmente en países de habla hispana, jaja. Durante 10 años llevé un evento de música electrónica llamado “mono_cult”. El nombre “mono_cult” significa “cultura del bajo”; en música, mono se refiere a un solo sonido, y el bajo suele ser un elemento mono.

La parte de Ray viene de mi segundo nombre, Raymond. Si le quitas la “D” a Raymond, queda Raymono, y además Ray suena muy parecido a Rey, que en español significa King.
Supongo que no está nada mal que te conozcan como el “Rey del Bajo” (jajaja).

– Recomiéndanos un track…

Voy a elegir: MR G – Don’t Let Shit Get You Down.

Tengo este vinilo desde alrededor de 2009. El vocal dice: “You just get into your own little space and lose it!”, y eso resume perfectamente porqué me enamoré del house underground. Para eso es la pista de baile: para meterte en tu propio espacio y perderte en él.

Hoy en día es un poco más difícil con tantos teléfonos en la pista, jaja.

De hecho, abrí para MR G en Manchester hace unos 8 años. Terminé mi set poniendo este track. Él estaba tocando en vivo, con su equipo montado en otra parte de la pista, y recuerdo perfectamente cómo volteó a verme cuando entró el tema, con una cara de pura vibra y aprobación mientras hacía sus clásicos pasos de baile.

Si no conoces a MR G… necesitas hacerlo. Es una auténtica leyenda, y no lo digo a la ligera. Hoy en día esa palabra se usa demasiado fácil. Este tipo lleva haciendo música fácilmente desde hace más de 30 años. Es un pionero.

He tocado este track tantas veces que mi vinilo ya está bastante gastado, jaja.

Y para cerrar, el título del track es una gran forma de vivir la vida:

“DON’T LET SHIT GET YOU DOWN.”