MASCHA

1996 Berlin-born and based, MASCHA is a DJ, producer and musician shaped by the city’s dancefloors and is deeply rooted in its club scene. Coming from a multi-generational musician family and a background in dance, she approaches DJing as movement and storytelling — crafting impulsive, high-energy sets that balance precision and playfulness with emotional depth.

Active for nearly a decade, MASCHA’s sound is versatile, playful, hard-hitting, yet hypnotic and deep, drawing strong influence from 90s Detroit-Techno. Her performances unfold as tightly woven journeys, with a strong sense of storytelling, built on tension, groove, and raw physicality, designed for the dancefloor.

MASCHA has ignited clubs, festivals, and airwaves worldwide, with appearances at Tresor Berlin, Fusion Festival, Feel Festival, FUNK Club Mexico City, UNTER NYC, Garbicz Festival (PL), Melkweg Amsterdam, Modular Festival Honduras, Antisistema Bogotá, and Discos Movimiento Mexico City events, Rinse FM France, among others. Beyond the booth, she brings extensive industry experience as a former booker and radio host at Aire Libre 105.3 FM in Mexico City and currently hosts her MUSTER label show monthly on THF Radio Berlin.

A dedicated advocate for the Queer community, MASCHA actively works to foster inclusivity in electronic music, organizing DJ workshops and panel talks for FLINTA* individuals in collaboration with the Goethe-Institut. Following her recent live set debut with an orchestra, she continues to push creative boundaries while staying grounded in the raw, communal spirit of global club culture.

- How did your relationship with music begin, and what were the first sounds or experiences that truly marked you?

My relationship with music began very early — I was lucky to grow up surrounded by musicians in my family. My grandfather is a vocalist and guitarist who formed various bands and projects in East and later West Germany, alongside my grandmother, who was his lyricist. Because of them, rock and blues were some of the first sounds that shaped me. At home, my mother — who was a DJ and always deeply interested in electronic music — and my stepdad would gift me CDs, cassettes, and mixtapes with all kinds of genres. Music was simply everywhere, and I loved dancing from a young age — for me, listening and moving to music were always inseparable.

I started getting into electronic music around the age of 12, when my mum began working at one of Berlin’s most renowned clubs. Through her and what she was playing and listening to, that world slowly opened up to me. But the moment that truly marked me was in 2012 at Nation of Gondwana, when Rødhåd was playing. I remember dancing with my eyes closed, feeling completely transported — almost like I was in space. It was a mind-altering experience, and after that, more festivals and club nights followed. That’s when everything really clicked.

- When did DJing enter your life, and what motivated you to take that step?

I started DJing in 2015, so it’s been over ten years now. I had always loved listening to music and curating my MP3 player, iPod, and playlists — but at some point, that wasn’t enough anymore. I became fascinated by the physicality of buying records and mixing on vinyl. The analog side of DJing really drew me in.

Since my mum was already DJing, I always knew I wanted to learn it myself one day. Once I started collecting vinyl, things moved quite quickly — I began playing at the illegal raves my friends were organizing in and around Berlin at the time. When I moved to Mexico, I started playing digitally as well. Nowadays, I play mostly digital sets, but I still collect vinyl.

- Were there any particular artists, scenes, or moments that influenced you during your early years?

During my late teenage years, I was constantly out in clubs and at festivals in and around Berlin, and each space shaped me in a different way. Every phase left its own imprint — different crowds, different energies, different ways of experiencing a dance floor. I guess, those experiences in those years truly shaped how I understand dance floors and energy.

The artists who influenced me most were Robert Hood and Boris at Berghain, and Rødhåd at Nation of Gondwana. What struck me was how distinct their approaches were. Robert Hood’s classic Detroit sound was raw and relentlessly driving — an intensity that completely hypnotized me. Rødhåd built deep, emotional journeys that unfolded patiently and atmospherically. Boris, meanwhile, delivered an unwavering yet never predictable energy — powerful and steady, but always full of subtle surprises.

- Your sound has evolved over time — how would you describe that journey?

In the beginning, I was mainly influenced by House — that’s where I felt a lot of warmth and groove — but I was always collecting Techno at the same time. I naturally played both, depending on the mood. Over time, I kept exploring different directions, building a broad spectrum in my collection.

I never wanted to be put in a box, especially when artists were often labeled strictly as either House or Techno DJs. As the scene has opened up a bit more lately, I’ve felt freer to express that full range.

Now I’m more selective, but still guided by intuition. For me, this evolution is constant — musically and personally.

- What elements or ideas have remained constant in your music, and what has changed the most?

What’s stayed constant is storytelling — creating a journey and staying true to my own sound. What has changed the most is how I approach trends and hypes.

- How do you usually approach experimenting and refining your sound today?

I approach it differently depending on the context. Each gig, setting, or slot is unique, so I like to experiment with BPMs and the energy of the moment. Producing my own music is another kind of experimentation — it’s more open-ended, playful, and about discovering new sounds and ideas in the studio.

- One of the most unique moments in your career was performing with an orchestra in Guatemala. How did that opportunity come about?

The opportunity came surprisingly at the beginning of last year. The cultural leader of the German Embassy in Guatemala reached out to me — I had been recommended by my fellow DJ colleague Resom, who works as well on some projects with the Goethe-Institut globally.
(Thank you again Nadine for recommending me).

It was incredible to translate my own compositions, and all time favorite track selection into orchestral arrangements and perform them live — definitely one of the most memorable moments of my career so far.

- How was the collaboration organized, and what role did you play in shaping the final performance?

It was a five-month project with weekly Zoom calls, with the orchestra’s conductor, Sergio Pacaché. I acted as a creative director, co-composer, DJ, and vocalist and contributed specifically as a live artist during the intro and outro. It was a true fusion of electronic and orchestral music.
My agent Shelly from the agency CURA Berlin was handling most of the accounting and back office tasks, so I could focus totally on the artistic work.

- What challenges and discoveries came from merging electronic music with an orchestral format?

One of the biggest challenges was working with a 90-person orchestra — so many people to collaborate with, compared to just another producer in the studio or a B2B behind the decks. There were countless possibilities for which instrument could play what, but mostly I trusted Sergio and his decisions. He proposed ideas for the compositions based on the tracks I gave him, and together we found a balance between the electronic energy and the orchestra’s organic sound. The biggest discovery was how alive and emotional the music became, when performed live, with so many talented musicians.

- Looking back, what did that experience teach you as an artist?

- You also participated as a panelist at MUTEK. What did that experience mean to you?

Being a panelist at MUTEK Mexico was really special. I was invited by my agency CURA Berlin to take part in their “Faults, Fails & Fuckups” panel, and I attended together with my agent Michelle and fellow artist friends from the agency, which made the whole experience feel even more meaningful. It was so interesting to hear stories from the visitors too, and it also felt very personal since I lived in Mexico for many years and still have a strong connection to the local scene. I felt like we were in a safe space where we could openly exchange our experiences of failures and fuckups in the international music scene. I also really enjoyed hearing the perspectives of long-time supporters like Robin from Pervert Collective and Rodrigo from Discos Movimiento, and of course fellow panelists Cecilia Tosh, Michelle Galleta, and Kat Davids.

- What topics or conversations during the panel resonated most with you?

The topics that resonated most with me were about machismo and toxic masculinity — we all shared some personal experiences around that. I also connected with the discussions about the pressures in Mexico’s underground club scene and the challenges promoters face. It was really interesting for me to hear how these issues affect so many people in different roles across the scene.

- How do you see the role of dialogue and knowledge-sharing within the electronic music community?

Dialogue and knowledge-sharing are extremely important — I’d even say they’re the most important. They help the community feel connected and united. Sharing experiences, insights, and skills strengthens everyone, because you can never stop learning.

- How did the FLINTA project begin, and what personal or collective needs sparked its creation?

The FLINTA Semana de Empoderamiento project began from a personal and collective need to create safer, more inclusive spaces within the electronic music scene in Mexico. It was sparked by experiences of inequality, machismo, and challenges that women, femmes, and non-binary people often face in clubs, festivals, and behind the decks.

- What are the core values and goals behind FLINTA?

The idea was to share knowledge, support each other, and highlight the voices and contributions that are too often overlooked, building a community that celebrates diversity and mutual care.

- Why do you think initiatives like FLINTA are especially important in today’s music scene?

- How do all these experiences — DJing, orchestral work, panels, and community projects — shape who you are as an artist today?

All of these experiences have shaped the way I think about sound and composition. They’ve made me focus more on the nuances in my studio work, from layering textures to exploring frequencies, while also opening me up to collaborations and new possibilities I’m curious to explore and happy to pursue. Each project has been an incredible source of inspiration, knowledge, and experience, and I’m so grateful to have participated in so many beautiful projects that have helped me grow as an artist and as a woman.

- What are you currently exploring musically or conceptually?

At the moment, I’m exploring several directions musically. I’m working on new productions in the wider field of Techno.

1996, nacida en Berlín y basada allí, MASCHA es DJ, productora y música formada por las pistas de baile de la ciudad, profundamente arraigada en su escena club. Proveniente de una familia de músicos de varias generaciones y con formación en danza, aborda el DJing como movimiento y narrativa, creando sets impulsivos y de alta energía que equilibran precisión y juego con profundidad emocional.

Activa desde hace casi una década, el sonido de MASCHA es versátil, juguetón, contundente, pero también hipnótico y profundo, con una fuerte influencia del techno de Detroit de los años 90. Sus presentaciones se desarrollan como viajes cuidadosamente tejidos, con un fuerte sentido de narrativa, construidos sobre tensión, groove y una fisicalidad cruda, diseñados para la pista de baile.

MASCHA ha encendido clubes, festivales y radios alrededor del mundo, con presentaciones en Tresor Berlin, Fusion Festival, Feel Festival, FUNK Club Ciudad de México, UNTER NYC, Garbicz Festival (PL), Melkweg Amsterdam, Modular Festival Honduras, Antisistema Bogotá y eventos de Discos Movimiento en Ciudad de México, además de Rinse FM Francia, entre otros. Más allá de la cabina, aporta una amplia experiencia en la industria como ex booker y locutora de radio en Aire Libre 105.3 FM en Ciudad de México, y actualmente conduce mensualmente su programa del sello MUSTER en THF Radio Berlin.

Como defensora dedicada de la comunidad queer, MASCHA trabaja activamente para fomentar la inclusión en la música electrónica, organizando talleres de DJ y paneles para personas FLINTA* en colaboración con el Goethe-Institut. Tras su reciente debut con un live set junto a una orquesta, continúa expandiendo sus límites creativos mientras se mantiene conectada con el espíritu crudo y colectivo de la cultura club global.

- ¿Cómo comenzó tu relación con la música y cuáles fueron los primeros sonidos o experiencias que realmente te marcaron?

Mi relación con la música comenzó muy temprano — tuve la suerte de crecer rodeada de músicos en mi familia. Mi abuelo es vocalista y guitarrista, formó varias bandas y proyectos en Alemania del Este y más tarde en Alemania del Oeste, junto a mi abuela, quien escribía las letras. Gracias a ellos, el rock y el blues fueron de los primeros sonidos que me formaron. En casa, mi madre —que era DJ y siempre estuvo muy interesada en la música electrónica— y mi padrastro me regalaban CDs, cassettes y mixtapes de todo tipo de géneros. La música estaba simplemente en todas partes, y desde pequeña me encantaba bailar —para mí, escuchar y moverme siempre fueron cosas inseparables.

Empecé a adentrarme en la música electrónica alrededor de los 12 años, cuando mi mamá comenzó a trabajar en uno de los clubes más reconocidos de Berlín. A través de ella, de lo que tocaba y escuchaba, ese mundo se fue abriendo poco a poco para mí. Pero el momento que realmente me marcó fue en 2012, en Nation of Gondwana, cuando estaba tocando Rødhåd. Recuerdo bailar con los ojos cerrados, sintiéndome completamente transportada —casi como si estuviera en el espacio. Fue una experiencia que me cambió la mente, y después de eso vinieron más festivales y noches de club. Ahí fue cuando todo realmente hizo clic.

- ¿Cuándo llegó el DJing a tu vida y qué te motivó a dar ese paso?

Empecé a hacer DJ en 2015, así que ya han pasado más de diez años. Siempre me había encantado escuchar música y curar lo que tenía en mi reproductor MP3, en el iPod y en mis playlists —pero en algún punto eso dejó de ser suficiente. Me empezó a fascinar la parte física de comprar discos y mezclar en vinilo. Ese lado analógico del DJing me atrapó por completo.

Como mi mamá ya era DJ, siempre supe que algún día quería aprender yo también. Una vez que empecé a coleccionar vinilos, todo avanzó bastante rápido —comencé a tocar en los raves ilegales que mis amigos organizaban en Berlín y sus alrededores en ese entonces. Cuando me mudé a México, también empecé a tocar en digital. Hoy en día toco mayormente sets digitales, pero sigo coleccionando vinilos.

- ¿Hubo artistas, escenas o momentos específicos que te hayan influenciado durante esos primeros años?

Durante el final de mi adolescencia, estaba constantemente saliendo a clubes y festivales en Berlín y sus alrededores, y cada espacio me fue moldeando de una manera distinta. Cada etapa dejó su propia huella —diferentes públicos, diferentes energías, distintas formas de vivir la pista de baile. Creo que esas experiencias realmente definieron cómo entiendo hoy la energía dentro de un dancefloor.

Los artistas que más me influenciaron fueron Robert Hood y Boris en Berghain, y Rødhåd en Nation of Gondwana. Lo que más me impactó fue lo distintos que eran sus enfoques. El sonido clásico de Detroit de Robert Hood era crudo y constantemente impulsado hacia adelante —una intensidad que me hipnotizaba por completo. Rødhåd construía viajes profundos y emocionales que se desarrollaban con paciencia y atmósferas envolventes. Boris, por su parte, entregaba una energía constante pero nunca predecible —potente y firme, pero siempre llena de pequeños giros inesperados.

- Tu sonido ha evolucionado con el tiempo — ¿cómo describirías ese proceso?

- Uno de los momentos más únicos de tu carrera fue tocar con una orquesta en Guatemala. ¿Cómo surgió esa oportunidad?

- También participaste como panelista en MUTEK. ¿Qué significó esa experiencia para ti?

Ser panelista en MUTEK México fue algo muy especial. Fui invitada por mi agencia, CURA Berlin, para participar en su panel “Faults, Fails & Fuckups”, y asistí junto a mi agente Michelle y amigxs artistas de la agencia, lo que hizo que toda la experiencia se sintiera aún más significativa. Fue muy interesante escuchar también las historias del público, y al mismo tiempo se sintió muy personal, ya que viví muchos años en México y sigo teniendo una conexión muy fuerte con la escena local. Sentí que estábamos en un espacio seguro donde podíamos compartir abiertamente nuestras experiencias sobre errores y tropiezos dentro de la escena musical internacional.

También disfruté mucho escuchar las perspectivas de personas que han apoyado la escena desde hace años, como Robin de Pervert Collective y Rodrigo de Discos Movimiento, y por supuesto de mis compañeras de panel Cecilia Tosh, Michelle Galleta y Kat Davids.

- ¿Qué temas o conversaciones dentro del panel resonaron más contigo?

Los temas que más resonaron conmigo fueron los relacionados con el machismo y la masculinidad tóxica — todxs compartimos algunas experiencias personales al respecto. También conecté con las conversaciones sobre las presiones dentro de la escena underground en México y los retos que enfrentan lxs promotorxs. Fue muy interesante para mí escuchar cómo estas problemáticas afectan a tantas personas en distintos roles dentro de la escena.

- ¿Cómo ves el papel del diálogo y el intercambio de conocimiento dentro de la comunidad de música electrónica?

El diálogo y el intercambio de conocimiento son extremadamente importantes — incluso diría que son lo más importante. Ayudan a que la comunidad se sienta conectada y unida. Compartir experiencias, ideas y herramientas fortalece a todxs, porque nunca se deja de aprender.

- ¿Cómo comenzó el proyecto FLINTA y qué necesidades personales o colectivas impulsaron su creación?

El proyecto FLINTA Semana de Empoderamiento nació a partir de una necesidad tanto personal como colectiva de crear espacios más seguros e inclusivos dentro de la escena de música electrónica en México. Surgió a raíz de experiencias de desigualdad, machismo y de los retos que mujeres, personas femeninas y personas no binarias suelen enfrentar en clubes, festivales y detrás de las tornamesas.

- ¿Cuáles son los valores y objetivos principales de FLINTA?

La idea es compartir conocimiento, apoyarse mutuamente y visibilizar voces y aportes que con demasiada frecuencia quedan fuera, construyendo una comunidad que celebre la diversidad y el cuidado colectivo.

- ¿Por qué crees que iniciativas como FLINTA son especialmente importantes en la escena musical actual?

Iniciativas como la Semana de Empoderamiento FLINTA son especialmente importantes hoy en día porque la escena musical aún enfrenta problemas de desigualdad, exclusión y sesgos. Crear espacios seguros e inclusivos no solo brinda una plataforma a artistas y públicos subrepresentados, sino que también fortalece a toda la comunidad.

Cuando todxs pueden compartir su voz y su conocimiento, la escena se vuelve más diversa, vibrante y resiliente.

- ¿Cómo han moldeado todas estas experiencias —DJing, trabajo orquestal, paneles y proyectos comunitarios— quién eres hoy como artista?

Todas estas experiencias han influido profundamente en la forma en la que pienso el sonido y la composición. Me han llevado a poner más atención en los matices dentro de mi trabajo en el estudio, desde la superposición de texturas hasta la exploración de frecuencias, y al mismo tiempo me han abierto a colaboraciones y nuevas posibilidades que me generan curiosidad y que quiero seguir explorando.

Cada proyecto ha sido una fuente increíble de inspiración, aprendizaje y experiencia, y me siento muy agradecida de haber formado parte de tantos procesos hermosos que me han permitido crecer tanto como artista como mujer.

- ¿Qué estás explorando actualmente a nivel musical o conceptual?

En este momento estoy explorando varias direcciones musicales. Estoy trabajando en nuevas producciones dentro de un espectro amplio del Techno.

En algunas de ellas estoy colaborando con artistas como Maccari, Kenji Tanaka, Shaleen y el baterista Oran Ray, lo que está abriendo nuevas ideas rítmicas y texturales en mi trabajo. Paralelamente, también estoy desarrollando mi próximo live set.