ANIMAM y el arte del “glytch”: energía de club en su forma más mutante.

En una escena electrónica cada vez más híbrida, ANIMAM se posiciona como una figura que desafía las etiquetas. Su enfoque, que fusiona breakbeats y trance con una estética “glytch” cargada de tensión y detalle, encuentra un nuevo punto de evolución en su próximo EP, previsto para octubre. Con colaboraciones que cruzan fronteras —incluyendo remixes desde Francia y Rusia—, el release no solo refuerza su identidad como productor, sino que también amplía su alcance dentro del circuito global. Paralelamente, su trabajo como cofundador de BOCA BOCA continúa impulsando la escena en México, consolidando un puente entre lo local y lo internacional.

Estás por lanzar tu próximo EP en Octubre. ¿Cómo definirías el concepto y la energía del proyecto?

Gulf of México se convirtió para mí en una dualidad de ideas; por un lado, explora el cambio de ritmo, inspirado por dejar la Ciudad de México para vivir rodeado de naturaleza en Playa del Carmen, entendiendo cómo este nuevo entorno cultural, ambiental y emocional moldea mi sonido. Por el otro, es un manifiesto de arraigo y orgullo: una respuesta a la sobreinfluencia extranjera, recordando que la riqueza musical, natural y mental de nuestro país no necesita validación externa.

Esa narrativa se traduce directamente en los tres cortes del EP: ‘Yocu’, un viaje de trance ceremonial donde incorporé la grabación de un chamán en la selva de El Cuyo relatando la historia de Yum Balam; ‘Ravvadobb’, donde exploramos el reggae-dub como influencia de la naturaleza en la costa de Quintana Roo junto a Artifex en las voces; y ‘Ecosistema’, que aborda esa convivencia entre lo tecnológico y lo natural.

Incluye remixes de un productor francés y otro ruso. ¿Cómo nacieron estas colaboraciones y qué aportan al release?

Tras 4 años de producción, este EP merecía una plataforma a la altura de su sonido. La búsqueda llevó a conectar con Elephant Gait Music, sello comandado por Denis Yurgens (44100hz_social), quien firmó el lanzamiento.

Para crecer el universo del EP, el sello sumó a dos talentos clave: desde Rusia, Golden Axe transforma ‘Yocu’ en un dub oscuro e hipnótico de pista subterránea; por su parte, Pierre Labret reimagina ‘Ecosistema’ en dos facetas: la versión Fauna, cargada de Italo-Electro crudo y primal, y la versión Flora, mucho más lenta y orgánica.

Y para ‘Ravvadobb’ en la parte vocal se sumó Artifex desde Argentina (voz de Leonchalon). Quería que este track tuviera esa raíz de reggae-dub genuina, conectando con la historia de Quintana Roo como puerta de entrada de esa cultura al país, y su voz le dio exactamente esa calidez humana y contestataria que necesitaba el track.

¿Podemos esperar alguna primicia o adelanto exclusivo para Mixmag?

¡Claro! Aca pueden ver el pre sale del EP:

Tu sonido mezcla breakbeats, trance y una estética “glytch”. ¿Cómo construiste esa identidad?

Es el resultado de 19 años de mutación. Desde los días de psytrance, electro-clash, deep house y hasta ska, toda la música me ha moldeado. Hace seis años entendí que mi lenguaje no se define por una etiqueta, sino por la imperfección, uso el glytch como hilo conductor para secuenciar distintos géneros.

¿Qué significa “glytch” dentro de tu lenguaje musical?

El error en la música no es una falla; es lo que la hace humana. Romper con la rutina y alejarse de la perfección milimétrica abre la puerta a texturas y sonidos que jamás habrías planeado.

Pasa en el estudio al probar caminos inesperados y pasa en la cabina durante un mix: de un pequeño accidente surge una nueva dirección. En una realidad tan saturada de control, abrazar la imperfección es lo que genera verdaderas oportunidades creativas.

¿Cómo equilibras lo experimental con lo funcional para la pista?

Transitar por tantas etapas, desde los breaks y el ambient hasta el techno más hipnótico, ha sido un reto. Hubo veces en que me clavaba tanto en un género que se me olvidaba el baile, pero la respuesta siempre está en la pista.

Ser DJ va más allá de poner música o hacer bailar; se trata de leer el espacio, el horario y la energía de la gente. Cada sesión es un experimento y el verdadero juego está en saber cuándo y cómo mezclar cada track: lograr que una pieza experimental se vuelva bailable al mezclarse con otra.

El arte del mix para mí es pura funcionalidad: saber fusionar elementos para que dos tracks generen un tercer sonido en la mente del público. De eso se trata crear una experiencia única

¿Cómo suele empezar una pista de ANIMAM?

Juego mucho con los loops al inicio. Primero defino la sensación que busco, llámese baile, introspección, melancolía o hasta amor <3 y juego con loops sin pulir, puro jamming, de hecho, de ahí terminan saliendo ideas para otros tracks que guardo para más adelante. Uso ese loop inicial como mi lead o sonido principal y a partir de ahí escribo en el DAW.

¿Qué rol juega el error o el “glitch” en tu proceso?

Uso el glitch como un detonador de cambios en ritmo en mis tracks, integro glitches sonoros; al jugar sin estructuras rígidas siempre genera texturas inesperadas.

¿Cómo sabes cuándo un track está terminado?

En mi caso, sé que un track está finalizado cuando siento que ya cuenta la historia y la secuencia que buscaba, y que cada sonido en la mezcla suene como busqué, y listo.

Es complicado porque, como productor, de tanto escuchar un track terminas encontrándote siempre fallas, muchas veces inexistentes. Por sanidad mental, tienes que sacar música. He sacado tracks con “errores” que tenía en mi viaje y terminan siendo muy bien recibidos.

Has lanzado en varios sellos importantes. ¿Qué te aporta moverte entre distintas plataformas?

En los últimos años me he enfocado principalmente en sellos nacionales porque creo firmemente en la colaboración local y en tejer redes con artistas de mi entorno. Además, diseñar música específica para cada disquera lo tomo como un reto y un aprendizaje; me obliga a entender su identidad y a explorar nuevos ritmos.

¿Cómo decides dónde encaja cada release?

Para mí existen dos formas válidas de trabajar con sellos. La primera es producir bajo tu propio instinto y luego buscar disqueras que vayan acorde a ese resultado; no se puede mandar música a todos lados a ver cuál pega.

La segunda es más objetiva: seleccionas un sello que admiras, analizas su línea y produces un track / EP diseñado específicamente para encajar en su sonido. Al final, lo esencial es revisar que cada disquera comparta tus ideales sonoros, conceptuales y hasta visuales. Si no te identificas con su estética, ahí no es y solo lo estás forzando.

¿Sientes diferencias claras entre la escena mexicana y la internacional?

La diferencia fundamental radica en la estructura, en mercados consolidados como Europa, la electrónica es una industria formal: cada eslabón de la cadena, desde el club, el venue o la radio, entiende su rol tal cual como un trabajo, creo que apenas acá se está comenzando con una industria así, no digo que no lo haya, solo vamos un poco atrás.

Pero creo que cada escena es única por sus aciertos, limitantes, política, etc, existe una rica escena en México a su propio modo y que cada vez tiene más forma.

¿Cómo nace BOCA BOCA y cuál era la visión inicial?

Boca Boca nació por la necesidad de generar un evento bajo nuestras propias ideas, en 2019 surgió la oportunidad de traer al legendario dúo Optimo. Y siendo unos aferrados de hacer revens con muchos eventos realizados anteriormente, nos juntamos Don Esquivel, Feroto, JVGD, Prml Sound y yo para hacerla si o si.

Por limitaciones de exclusividad en el booking, no podíamos anunciar al artista estelar, así que parte de la estrategia fue mover al invitado "de boca en boca" entre nuestrxs amigxs de la escena.

Llegó COVID y cuando se empezó a abrir todo, el “de boca en boca” era la forma ideal de comunicar cuando empezamos a abrir espacios.

Estos nos hizo recordar cómo crecimos sabiendo de fiestas o raves antes, sin tanta publicidad y nos pareció que siguiera siendo ese ideal para mantener una comunidad amante de la música.

¿Qué hace especial la curaduría de sus eventos?

Si el line-up incluye un artista internacional, buscamos que siempre sea una propuesta interesante en cuanto a la selección musical, no importa el género, además que haya un legado interesante en estos artistas, siempre valoramos ese trasfondo ya que además de su música amamos lo que representa cada uno.

Del lado nacional, nuestro objetivo es darle cabida a proyectos que tienen poco escaparate, pero gran propuesta, dejando de lado sus habilidades en redes sociales solo escuchar lo que propone.

Pero lo más importante es que cada artista en el evento se acomoda de acuerdo a la historia que se debe contar esa noche y en ese venue, ya que creemos que también influye bastante eso para crear el espacio que queremos.

¿Qué papel juega hoy dentro de la escena electrónica en México?

Actualmente solo hemos estado activos por medio de nuestro radio show mensual por loose.fm estamos en una constante búsqueda de talento nacional que quiere grabar un mix, un canal que siempre estará abierto para TODXS.

Al final, eso es lo que buscamos a futuro: consolidarnos como una plataforma que apoye la cultura local de forma honesta y siempre con un oído crítico musical.

Más allá del EP, ¿qué sigue para ti este año?

Este año, de mi lado, se ha enfocado en la producción en compilaciones de apoyo social, justo salió un track en una compilación igual en Elephan Gait Music para el apoyo de Palestina con tracks de Matias Aguayo, Ramzi, Acid Youth y más.

Quiero seguir dedicando en apoyar estas iniciativas y ponerle foco absoluto a la producción musical; ya hay varias maquetas armadas a las que les faltan detalles para que puedan encontrar “hogar” en diferentes disqueras. Dentro de estos proyectos, igual se viene un EP enfocado más a la pista de baile.

También estaré colaborando en la curaduría de un nuevo mini fest audiovisual en la CDMX llamado FORMA, lo cual me emociona bastante, ya que esa faceta como promotor ha sido parte importante con la escena de la ciudad desde hace varios años.

¿Hay colaboraciones o direcciones que te interesen explorar próximamente?

Con este último EP me he dado cuenta de que mis sonidos tienen un trasfondo visual que quiero enaltecer; quiero explorar esa parte y darle más vida visual a cada uno de los tracks. De igual forma darle música a cortos, pelis, clips me llama también mucho la atención.

En cuanto a colaboraciones, es una lista enorme pero de nacional tengo como reto hacer algo acorde al sonido a WVWV me parece una disquera - colectivo - equipo de gran admiración que han logrado poner en alto a México.

En disqueras internacionales mi objetivo es poder lograr en algún momento tener un release en Offen Music del jefe maestro Vladimir Ivkovic, sería un sueño ser parte del catálogo.

¿Cómo imaginas la evolución de tu sonido?

Más acorde a mis raíces musicales, es decir, más mental y rítmico, pero sin olvidar el groove que fue una de las cosas que me hizo amar la música electrónica: el baile.

De igual forma, creo que en la actualidad es importante sumar música con mensajes positivos, rebeldes; eso, sí o sí, lo estaré implementando cada vez más.

¿Qué te sigue motivando a crear música hoy?

Me motiva generar sentimientos o experiencias positivas con cada track; la música es un lenguaje y he encontrado la forma de contar mi conocimiento y percepción musical de esa manera, traer de vuelta sonidos, géneros y artistas que yo viví y que se han perdido por las nuevas tecnologías.

Me motiva pensar que la música va más allá de algoritmos y perfecciones.

Si alguien escucha ANIMAM por primera vez, ¿qué debería esperar?

Pueden esperar música honesta. Una mezcla entre electro y trance con con referencias al pasado por medio de samples, como en ‘Yocu’, donde usé el relato maya de un chamán en Yucatán, o la raíz caribeña y reggae en ‘Ravvadobb’ junto a Artifex; busca contar historias Lo importante es siempre encontrarán una estimulación emocional: a veces para el cora, a veces para el baile.

¿Cómo te gustaría que se recordará este próximo EP?

Me gustaría que Gulf of México se recuerde como el banderazo de salida de un sonido con identidad propia, listo para plantarse en cualquier pista. Es un registro de cómo los cambios en la vida moldean tu forma de ser, pero, sobre todo, es un manifiesto de orgullo por nuestras raíces; una muestra clara de lo cabrón que se puede sonar desde México.